Mae West chanteuse: Way Out West (1966)

Dramaturge, actrice, danseuse, symbole sexuel, provocatrice, inspiratrice du gilet de sauvetage, Mae West (1893-1980) fut aussi chanteuse. En 1966, elle enregistra Way Out West, un album de trente minutes de reprises aux teintes rock & roll. Au menu, "When a Man Loves a Woman" (Percy Sledge), "Shakin' All Over" (Johnny Kidd & The Pirates), "Twist & Shout" (The Isley Brothers) ou "Day Tripper" (The Beatles). Le tout est plaisant et la voix de Mae West n'est pas désagréable et demeure très sexuelle (à 73 ans !). Quant au groupe, il assure, avec un très bon guitariste et le soutien d'une section de cuivres.

L'album: ici
(clic gauche pour écouter, clic droit et "enregistrer la cible du lien sous" pour télécharger)

Mae West enregistra par la suite deux autres albums: Wild Christmas et Great Balls of Fire.


Pour terminer, quelques citations de Mae West, reine du double sens et de la provocation un brin vulgaire mais toujours drôle:

"When I'm good, I'm very good. When I'm bad, I'm better."
"When women go wrong, men go right after them."
"There are no good girls gone wrong, just bad girls found out."
"Sex is emotion in motion."
"Virtue has its own reward, but no sale at the box office."
"I'm the lady who works at Paramount all day... and Fox all night."
"Ten men waiting for me at the door ? Send one of them home, I'm tired."
"The curve is more powerful than the sword."

Et la meilleure pour la fin, extraite du film She Done Him Wrong (1933):
"Is that a gun in your pocket, or are you just happy to see me ?"

Un chef d'oeuvre de 2009 ?

Poète, scénariste et cinéaste japonais, Sono Sion a notamment réalisé deux films cultes, à savoir Suicide Club (2002) et Noriko's Dinner Table (2005). Le premier aborde un phénomène particulièrement inquiétant au Japon: le suicide collectif. La première scène du film montre 52 lycéennes se jeter sous un train dans la station de Shinjuku (le Châtelet-Les Halles tokyoïte). La vague de suicide ne fait que commencer... S'ensuit une enquête policière pour déterminer si ces suicides ne sont pas orchestrés par une seule et même personne ou un groupuscule baptisé "Suicide Club". Noriko's Dinner Table, chef-d'œuvre de 2h30, est le pendant de Suicide Club. Sono Sion filme l'éclatement d'une cellule familiale quand la fille aînée d'une famille sans histoire fugue à Tokyo et en donne aucun signe de vie. A-t-elle rejoint le Suicide Club ? S'est-elle suicidée à Shinjuku ? Son père mène l'enquête et découvre bientôt que sa fille a changé d'identité et vend ses services au sein d'une étrange entreprise qui s'engage à reproduire l'illusion d'une famille à des gens seuls et désespérés. Dérangeant et excellemment mis en scène.

Cette année, Sono Sion livre Love Exposure, un opus d'une durée de 4 heures. Le scénario: Elevé par un prête catholique castrateur, Yu se révolte un beau jour contre son éducation en devenant voyeuriste et en prenant des photos du dessous des jupes des filles. Il rencontre un jour Yoko, une jeune fille dont il tombe tombe éperdument amoureux. En découvrant que Yoko a été élevée au sein d'un mystérieux culte religieux, Yu décide de tout faire pour la sauver...

Après la famille et le monde du travail, Sono Sion s'attaque donc à la religion et à l'éducation. Espérons que Love Exposure soit un aussi bon cru que Noriko's Dinner Table... et qu'il sorte au moins dans une salle française. Et pourquoi pas une sélection au festival de Cannes ?

Et une référence vestimentaire à La Femme Scorpion en prime...

Chronique de Love Exposure ici.
Le plus long entretien réalisé avec Sono Sion ici.

Carlos Larronde et l'érotisme au cinéma

Carlos Larronde (1888-1940) fut poète, critique littéraire, pionnier de la radio-diffusion et père de son fils (Olivier Larronde, poète de renom). Cet ami de Saint-Pol-Roux a publié dans Le Mercure de France du 15 décembre 1932 un article très intéressant sur le cinéma. Plus particulièrement sur l'érotisme au cinéma et la représentation physique des acteurs. Trois phrases extraites de son article pour situer la posture de Carlos Larronde :

"Il est surprenant que la caméra ne provoque pas plus de divorces."

"Depuis que le septième art triomphe, les étoiles ont des sexes."

"Une salle de cinéma, quel temple de l'érotisme !"

Jean Harlow (1911-1937): femme fatale de la MGM prête à conquérir le Monde.

Voici donc de larges extraits de l'article "L'Erotisme au cinéma":

L’écran est la glorification du visage humain. Comment n’aurait-il pas engendré une sorte de fanatisme ? Nous avions la beauté théâtrale, mais fondue dans un ensemble, entourée d’un halo. Sarah Bernardt, c’était une attitude sous un voile. On subissait l’emprise de sa voix plus que celle de ses traits. Envoûtement redoutable. La compagne d’un de mes amis avait eu un amour enfantin pour Sarah. Elle se disait guérie. Un jour qu’ensemble ils assistaient à une représentation de Phèdre, la jeune femme apparut bouleversée. Elle braquait, d’une main tremblante, ses jumelles sur l’idole. Son compagnon n’existait plus. Ce fut un drame.

Très différente est l’attraction de l’écran. Il offre à l’enthousiasme, à la critique, des figures amplifiées. Les « gros plans » de Valentino ou de Greta Garbo sont dans le domaine public ; on les adule ; on les analyse ; on les discute. Alors qu’une actrice de théâtre apparaît comme un être charnel, odorant, une vedette de cinéma, c’est d’abord une image. C’est surtout un type de beauté. Écoutez une conversation où défilent les étoiles des deux sexes. Parle-t-on de leur talent ? Neuf fois sur dix, on disserte de leur physique et les déclarations: « j’adore », « je n’aime pas », « je préfère », s’accompagnent de commentaires précis sur un ne et des jambes. L’anatomie de stars est un bien commun. Nous avons tous un droit de contrôle sur leurs charmes. Qu’un embonpoint fâcheux - ce qu’à Dieu ne plaise! - vienne à empâter Dolorès del Rio, nombre de couples enclins aux chamailles se mettront d’accord pour le déplorer.

Marlène et sa cigarette. Un symbole phallique qui part en fumée depuis quelques années.

Depuis que l’écran existe, la perfection physique, et surtout féminine, est devenue le sujet d’un perpétuel débat. Un concours de beauté, en permanence, est ouvert, - que dis-je ? Une cour d’amour, - dans laquelle chacun apporte des suffrages passionnés. Et comme de nouveaux astres, chaque année, pénètrent dans le champ, la compétition n’aura pas de fin. L’avènement de Marlène Dietrich fut pour un hebdomadaire l’occasion d’interroger ses lecteurs: « Qui préférez-vous, d’elle ou de Greta ? » Dans une époque à certains égards peu qualitative, l’esthétique du visage et du corps est devenu un problème primordial. […] Il est surprenant que la caméra ne provoque pas plus de divorces. […]

Depuis que le septième art triomphe, les étoiles ont des sexes. Étoiles humaines qui offrent à l’existence popote, à la fidélité rageuse, un contraste éblouissant. Tout homme possède, au moins par les yeux, son harem. L’écran a créé une véritable courtisanerie optique, d’autant plus puissante que ce gars robuste et dépoitraillé, cette blonde princesse en chemise, sont intangibles, comme les idoles.

Une salle de cinéma, quel temple de l’érotisme ! […]

Le mystère de Greta Garbo ?

L’amant universel, jadis, était le poète.

Il est détrôné aujourd’hui par l’universelle maîtresse, la star de cinéma.

« Sex-appeal »! C’est dans le programme et dans l’esthétique du septième art. il faut qu’une actrice non seulement soit jolie, bien habillée, bien dévêtue et qu’elle ait - tout de même - du talent, il faut qu’elle soit, pour un nombre important de spectateurs, excitante. […]

Le sex-appeal: une griserie esthétique-cérébrale. L’attrait de l’impossible, d’un impossible qu’on accepte et qu’on chérit. Je ne serai pas étonné que le cinéma contribue à réveiller chez l’homme le respect de la femme. Même familière, elle y demeure idole.

Blonde ou brune, Kirsten Dunst et Mary Elizabeth Winstead, ou l'érotisme du cinéma des années 2000 (made in USA). Les Français se consolent avec Ludivine Sagnier et Mylène Jampanoï.

La « vamp » se refuse. Frigide ou inquiétante, elle agenouille. On l’adore ou on la tue. « Le secret de Greta Garbo » est pour les hebdomadaires spécialisés un thème inépuisable. Je crois l’avoir pénétré.

Ce n’est pas un secret d’alcôve. La vedette suédoise est la seule artiste de l’écran qui possède - à son insu peut-être - de grandes possibilités spirituelles. C’est une mystique en puissance, qui se cherche et n’est pas trouvée. C’est une enchanteresse déçue.

Il paraît qu’un jeune homme, en voyant pour la première fois Greta Garbo, eut envie de devenir poète.

Même si le fait n’est pas exact, il ramène l’érotisme à son véritable plan: Désir, âme du monde !

John Coltrane au Japon en 1966

1966. John Coltrane. Année charnière. Le jazz. La mystique. Juillet à Tokyo. Au Japon, donc. Deux ans après les Jeux Olympiques. Un de ces moments où l'Histoire, avec un grand H, se joue. Ce texte commence comme le plus mauvais bloc-note du guignol malheureusement français Bernard-Henri Levy. Mais vos yeux souillés de cette basse prose seront lavés par la suite, consacrée au musicien John Coltrane et à sa tournée au Japon en juillet 1966.

En 1965, John Coltrane, auréolé du succès de A Love Supreme, s'oriente de plus en plus vers le free jazz. Pour des raisons de désaccords artistiques, le quartet de Coltrane se retrouve remodelé. Ainsi le pianiste McCoy Tyner est remplacé par Alice McLeod (future Madame Coltrane) et le batteur Elvin Jones cède sa place à Rashied Ali. Pharoah Sanders intègre lui aussi le nouveau groupe de Coltrane qui se produit le 28 mai 1966 au Village Vanguard devant un public interloqué par le nouveau son plus sauvage et les réinterprétations libres de morceaux originaux. Les oreilles ne sont pas encore habituées.


Du 8 au 24 juillet 1966, le quintet de Coltrane joue au Japon. Les concerts des 11 et 22 juillet ont été enregistrés et vous pouvez vous les procurer ci-dessous. Les titres s'étirent et laissent place à l'improvisation sans que cela vire au n'importe quoi. De fait, quand le jazz libre est exécuté par des très bons musiciens, le résultat est souvent sublime. C'est le cas ici, où les titres naviguent entre extatisme, colère, rêverie (le piano sur "Peace On Earth" n'est pas sans rappeler Debussy) et bien d'autres choses que les mots ont peine à décrire. Du Grand Art.

John et Alice Coltrane, mariés en août 1966, après la tournée nippone.

Musiciens:

John Coltrane: saxophones soprano, alto et ténor ; clarinette basse, percussions
Alice Coltrane: piano
Pharoah Sanders: saxophones alto et ténor, clarinette basse, percussions
Jimmy Garrison: basse
Rashied Ali: batterie

CD 1 ici
1. Afro Blue (38:48)
2. Peace On Earth (26:25)

CD 2 ici

1. Crescent (54:33)

CD 3 ici
1. Peace On Earth (25:06)
2. Leo (44:50)

CD 4 ici
1. My Favorite Things (57:19)

Ugoboss: la rétrospective

Ugoboss (ou Ugolepatron) est un rappeur montréalais membre du collectif Gangster & Gentleman, qui comprend le Roi Heenok, Rapiso, Kinimod, Lynn et Tony Danza. Ugoboss est né à Lima au Pérou. Il grandit au sein d'une famille rongée par la corruption, la drogue et la violence. Selon ses dires, Ugoboss est battu par son père "jusqu'à l'âge de sept ans tous les jours pour rien... pour le simple plaisir". L'enfer se poursuit pour lui quand son père poignarde sa mère. Ambiance...

Ugoboss raconte sa rencontre avec le Roi Heenok.

Ugoboss va persévérer dans la rue et devenir "un calibre dans la cocaïne". Il rencontre le Roi Heenok, alors un jeune entrepreneur, qui vient de fonder le collectif Gangster & Gentleman pour percer dans l'industrie du rap français. Avec Kinimod, le frère du Roi Heenok, il créé le duo Kinimod et Ugoboss, qui semble avoir enregistré un seul morceau ("Une Équipe Hors Pair") mais qui clame avoir un album prêt à la vente (Hors La Loi A Temps Plein). Malheureusement, le 6 septembre 2004, Kinimod est victime d'un accident de voiture quelques jours après l'achat de sa berline de luxe. Il perd l'usage de ses jambes. La longévité du duo est fort compromise.

La définition du "rap mongol" par Ugoboss.

Ugoboss participe aux deux albums du Roi Heenok, Propagande Américaine en 2005 et Cocaïno Rap Musique Volume 1 en 2007. Ce dernier album a été réédité avec six nouveaux morceaux en 2008. Comment qualifier le rap délivré par Heenok, Ugoboss et consort ? Médiocrité ou génie ? Second degré ou véritable stratégie de criminels ? Difficile à dire. Voici venu le temps du rap mongol, concept heenokien. Montréal, Rive Sud, t'entends ?

Ils sont tous sur l'hydroponique !

Les membres de Gangster & Gentleman sont, en plus d'être des artistes, des poids lourds dans la criminalité. Vente de crack, trafic d'hydroponique et possession d'armes à feu sont leur quotidien. Par extension, Gangster & Gentleman apporte sa contribution au courant controversé du gangsta rap, très en vogue depuis le milieu des années 80 avec des artistes américains tels qu'Ice T, NWA, Snoop Doggy Dogg, Raekwon The Chef, 2-Pac et plus récemment 50 Cent. L'outrance et le ridicule se côtoient allègrement dans le gangsta. Heenok et Ugoboss ne dérogent pas à cette règle.

Ugoboss: jamais sans son flingue...

Le succès de Gangster & Gentleman s'est intensifié après la sortie du documentaire Les Mathématiques du Roi Heenok en janvier 2008. Réalisé par Kourtrajmé, le film montre l'univers du Roi Heenok et de ses associés. N'hésitant pas à brandir diverses armes à feu et à exhiber plusieurs grammes d'hydroponique, Heenok & Co se sont attirés les foudres de la police québécoise qui, après le visionnage du film, a fait une descente de police au Château Saint Ambroise, le studio d'enregistrement du Roi. Arrêté avec Rapiso pour vêtements volés, détention d'armes à feu et de substances illicites, Heenok est libéré quelques jours plus tard grâce à "ses avocats juifs". Quelques semaines plus tard, le 10 juin, Heenok se produit à Paris au Social Club, en compagnie d'Ugoboss, Lynn et Tony Danza.

"On est derrière la caméra mais on est légal" ou la logique fascinante d'Ugoboss.

La carrière d'Ugoboss suit son cours et la sortie de l'album Hors La Loi A Temps Plein du duo Kinimod et Ugoboss est prévue pour bientôt selon les dires d'Ugoboss dans le DVD Cocaïno Rap Musique. Étant donné la minceur de l’œuvre d'Ugoboss jusqu'ici (pas plus de dix couplets en quatorze ans de rap), on est en droit de douter. Car les membres de Gangster & Gentleman ont la particularité d'exister en tant qu'artistes mais de ne proposer presque aucune œuvre. Un bon concept. Ugoboss ou le rappeur sans album.

Les confessions d'Ugoboss sur son enfance, le crime, le rap et le Roi Heenok.

Andrey Iskanov - Philosophy Of A Knife (2008)

"Dieu a créé le Paradis, l'homme a créé l'Enfer", telle est la phrase choc inscrite sur le poster du troisième long-métrage du réalisateur russe Andrey Iskanov. Ce dernier s'est fait connaître en 2003 avec un premier opus remarqué dans le cénacle du cinéma d'horreur, Nails, qui narre les péripéties d'un homme qui se plante des clous dans le crâne pour atténuer des maux de tête. Iskanov développe un cinéma sans concession et assez dérengeant graphiquement. Le Russe n'hésite guère à provoquer le spectateur en lui montrant des scènes violentes en gros plans...

Cette infirmière joue de la guimbarde pendant que derrière elle, un "médecin" découpe une tête à la hâche...

Philosophy Of A Knife est un film historique de 4h30 qui tient autant du documentaire que de la fiction. Entre 1937 et 1945, en Mandchourie, le gouvernement japonais à ouvert un camp d'expériences scientifiques surnommé Unité 731. En résumé, pour rivaliser avec les avancées scientifiques américaines et européennes, le Japon a décidé d'ouvrir un camp où des expériences sont pratiquées sur des humains, au mépris de toute éthique et toute humanité. Iskanov mêle images et films d'archives, témoignage d'un médecin russe qui a participé au procès de ces bouchers nippons et reconstitutions "fidèles" de ce qui se passait dans les laboratoires de l'Unité 731. Le film est ainsi en grande partie en noir et blanc, et Iskanov, comme Tarantino pour Death Proof, maltraite sa pellicule pour la rendre "datée". Heureusement pour le spectateur, le noir et blanc atténue l'horreur des images, qui ne sont pas ici saturées de rouge sang ou autres vives couleurs organiques.

Deux prisonnières qui vont en baver...

Le lot des horreurs est quand même conséquent et on a le droit d'être mal à l'aise devant certaines scènes, en concevant qu'elles sont crédibles et qu'elles pouvaient être bien pires dans la réalité... Césarienne sans anesthésie, visage passé aux rayons radioactifs, inoculation de maladies diverses dont la peste, tests de résistance au froid, tests de résistance à la douleur, amputations, vivisections, etc... Tout ceci est malheureusement vrai. De plus, le film est long et lent. Il n'y a aucun dialogue entre les médecins et les prisonniers. Les seules paroles du film sont une voix off qui met en perspective historique les événements, et les commentaires du médecin russe qui a participé au procès de l'Unité 731, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale... La bande-son est aussi très angoissante...

Ci-dessous, une scène où les médecins veulent tester la résistance à la douleur de cette patiente en lui arrachant les dents avec une tenaille. La scène n'est pas reproduite en entier (elle dure encore quelques minutes) mais est susceptible de choquer certaines personnes.

Philosophy Of A Knife est sorti en DVD cet été et a été projeté dans un nombre très restreint de salles (au moins une projection en Espagne, lire ici). Andrey Iskanov sort ces temps-ci un nouveau long-métrage, The Tourist, déjà auréolé d'une réputation morbide. En effet, lors du tournage d'une scène, l'équipe du film ignorait qu'à quelques mètres d'eux se trouvait le cadavre d'une femme assassinée, qui sera trouvé par la police quelques heures plus tard... Glauque...

Hommage à Pierre Clémenti

Un homme, un flingue... Et la gueule de jeune premier de Clémenti.

Voilà bientôt dix ans que Pierre Clémenti nous a quittés (27 décembre 1999). Ce grand acteur. Avec Alain Delon et Jean-Pierre Léaud, le meilleur acteur français. Mais il ne faut pas occulter les talents de réalisateur de Clémenti. Certes, il a joué sous la direction des plus grands: Visconti, Buñuel, Pasolini, Bertolucci, Garrel et Rivette. Mais il est également le réalisateur de films qu'on serait trop prompts à qualifier d'expérimentaux. Depuis quand le cinéma devrait délivrer des histoires linéaires calquées sur le roman traditionnel ? Clémenti est l'auteur de films personnels qui sont un témoignage indispensable à la période 1960-1970. Investi d'une mission de chroniqueur des années 60-70, à la manière de Saint-Simon 300 ans plus tôt, Clémenti filme sa vie, riche en rencontres et en événements. Il faut dire que Pierre Clémenti a cotoyé ce qui se fait de mieux en matière de cinéma. Ses pellicules convoquent Jean-Pierre Kalfon, Bulle Ogier, Philippe Garrel, Frédéric Pardo, Tina Aumont, Valérie Lagrange, Catherine Deneuve, Michel Piccoli et bien d'autres.

Ce qui se dégage de ses films, ce sont les collages et les surimpressions. En effet, Clémenti colle et mixe différentes pellicules à un rythme effréné, quitte à supprimer toute chronologie. On peut parler de cut-up ou de films de famille monté de façon aléatoire. Clémenti a sorti officiellement cinq films: Visa de Censure en 1976, New Old en 1979, Check Point Charlie en 1981, A L'Ombre de la Canaille Bleue en 1981 et Soleil en 1989. Ces films ne sont pourtant qu'une partie de l'iceberg de l'œuvre de cinéaste de Clémenti.

Clémenti n'a cessé de filmer et de monter sa vie. Il a légué ses films au musée de Beaubourg mais le directeur de ce musée n'a pas jugé bon de montrer ses films au public. On peut se poser des questions quant à la santé mentale de cet homme mais on peut imaginer que c'est un ami de Jack Lang ou de Christine Albanel, c'est à dire un homme (ou une femme) présent à chaque vernissage où caméras et petits fours sont de mise.

Catherine Deneuve succombe aux charmes du mauvais garçon Pierre Clémenti
dans Belle de Jour de Luis Buñuel.

Pourtant l'œuvre de Clémenti cinéaste est conséquente: 22 bobines inédites ! Le vendredi 12 décembre, la Cinémathèque Française montre en avant-première deux de ces bobines non sonorisées. Le résultat est époustouflant. En présence de Jean-Pierre Kalfon et Bulle Ogier, on a pu assister à l'exhumation de deux bobines de Pierre Clémenti. D'après le fils de Clémenti, ces films feront bientôt l'objet d'une édition en DVD. Et cela est salutaire tant Clémenti propose une vision fascinante des années 60-70. Une chose seulement est à regretter, que ces futurs DVD soient payants. En effet, ces pellicules devraient entrer directement dans la domaine public !

Clémenti sur le tournage de Porcile de Pasolini.

Selon son fils, Pierre Clémenti acceptait ses rôles en partie pour financer ses propres projets, notamment l'achat de pellicules et de caméras pour continuer son oeuvre de cinéaste. On ne peut qu'adhérer.

Ci-dessous, un extrait de La Voie Lactée (1969) de Luis Buñuel où Pierre Clémenti joue le rôle du Diable. Il ne faut pas oublier que Clémenti a aussi joué le rôle de Jésus dans Le Lit de la Vierge de Philippe Garrel la même année. Un film formidable soutenu par la musique lancinante de Nico. L'amante d'Alain Delon. Tout se rejoint.