Tomblands

Jong Ki Mo - Order 27 (1985)

2012-01-21T13:32:00.016+01:00

Suite des chroniques du cinéma de Corée du Nord, après Bellflower et From 5PM to 5 AM, voici Order #27, sorti en 1985 (et visible intégralement sur youtube).En prenant compte des critères occidentaux et de nanarland.com, de film est un nanar total qui multiplie sans s'en rendre compte les scènes de mauvais goût. Si le réalisateur Jong Ki Mo voulait réaliser un film d'action monumental, il s'est complètement planté avec une production digne d'Eurociné. On imagine déjà Jess Franco tourner en Corée du Nord... mais il aurait du mal à cause de la censure.

Séance baston !

Coup de pied latéral : up the bracket !

Order 27 est un film de genre "guerre/kung-fu" dont l'action, on le comprend au cours de ce film sans queue ni tête, se passe pendant la guerre civile entre la Corée du Nord communiste et la Corée du Sud capitaliste. Mais le film ne s’embarrasse pas des discours idéologiques. Des Nord-coréens doivent contacter une agente en Corée du Sud pour le bien du pays. A aucun moment il ne sera question des buts de la mission des Nord-Coréens.

Cet acteur joue également dans Bellflower.

Cet acteur joue dans From 5 AM to 5 PM.

Le côté "nanar" du film vient du fait que le réalisateur (un certain Jong Ki Mo) laisse passer des scènes totalement hallucinantes et incohérentes. Peut-on compter le nombre de faux raccords (la scène du lancer de fourchette dans le restaurant), d'arrêts sur image sur des scènes inutiles, des ralentis condescendants et d'accélérations de l'image totalement abusée quand un Nord-Coréen malmène un opposant politique ?

Les décors exotiques de Corée du Nord.

Everything but the girl.

Les bonhommes de Corée du Nord : ils ont fait le boulot.

Order 27 reste une bonne tranche de rires pour ses scènes de combats façon "karate-kid sous cocaïne" mais un film assez ennuyeux (aucune intrigue, des acteurs plats). A la fin, le Nord est censé gagner contre le Sud. Mais on s'en fout un peu parce que le film est mauvais.

Film de Corée du Nord : From 5 PM to 5 AM

2012-01-18T20:50:00.013+01:00

Deuxième film nord-coréen chroniqué ici après Bellflower de Jo Kyong-sun, From 5 PM to 5 AM (5시부터 5시까지 ou encore 5 sibuto 5 sikkaji) est plus énigmatique. La date de production du film n'est pas vraiment connue : IMDB avance la date de 1990, ce qui doit être à peu près le cas. From 5 PM to 5 AM est un film de guerre qui raconte un événement du conflit entre la Corée du Nord et la Corée du Sud - soutenue par les États-Unis - survenu la nuit du 23 au 24 janvier 1953. Cette nuit-là, trois valeureuses troupes nord-coréennes réussirent à devancer une attaque américaine et asséner aux yankees une sévère défaite - en quelques minutes et sans réelle opposition. C'est du moins le scénario du film, tout à la gloire du "Grand Leader" Kim Il-sung et de la République Populaire Démocratique de Corée.

Le Grand Leader Kim Il-sung : véritable héros de ce film de guerre.

Le commandant en chef Yu Chun-il, pourtant malade, est dévoué à son Parti.

Dans ce film de 76 minutes, la trame historique est soutenue par plusieurs intrigues mettant en avant quelques soldats, une infirmière et deux commandants. Une personnes est omniprésente mais invisible à l'écran : Kim Il-sung. Ce dernier communique avec les deux commandants par téléphone. D'une voix posée, toujours réfléchie et jamais paniquée malgré l'imminence d'une attaque américaine, c'est Kim Il-sung qui dicte aux commandants pris de cours le plan d'attaque victorieux de son armée ; c'est aussi lui prend à plusieurs reprises des nouvelles de l'état de santé alarmant d'un des commandants ; c'est enfin lui qui réconforte le commandant de la mort de sa fille et de plusieurs soldats, tombés en "héros" pour le pays. Le sacrifice individuel pour le bien commun est sans cesse exalté - comme c'est le cas dans la plupart des films de guerre, nord-coréens, américains ou soviétiques.

On chante à table pour les hauts gradés...

... et on chante à l'extérieur pour les soldats.

La mise en scène et le déroulement de l'histoire sont assez monotones (à noter : deux scènes de chanson, un "classique" du cinéma de Corée du Nord). Il est cependant indéniable que les cinq dernières minutes sont plus mouvementées. En moins de deux minutes, la maigre armée de Corée du Nord défait sans résistance possible - à coups de canon très impressionnants - l'armée américaine, qui célébrait par avance sa victoire et avait déjà prévenu les journalistes. Un des chefs américains avait pourtant tempéré l'enthousiasme de ses collègues en soulignant que le commandant en chef local avait naguère guerroyé en Mandchourie sous les ordres du "Grand Leader"... Il fallait donc se méfier !

Explosions dans tous les sens, ça mitraille sec !

James Dresnok, soldat américain déserteur rallié à la cause du Grand Leader.

Enfin, soulignons l'apparition de James Dresnok dans le rôle d'un des soldats américains. James Dresnok est célèbre pour avoir déserté l'US Army le 15 août 1962 pour rejoindre la Corée du Nord. En 1978, il joue le rôle d'un Américain dans le film Des Héros sans nom, et apparaît ensuite dans plusieurs autres films, accédant à une relative notoriété auprès du public nord-coréen. Il donne également des cours d'anglais dans une université à Pyongyang. En 2006, Dresnok est interviewé par le réalisateur britannique Daniel Gordon qui lui consacre le documentaire Crossing the Line. Dresnok affirme aujourd'hui vivre en Corée du Nord de son plein gré et n'avoir jamais regretté son choix.

Kim Ki-duk - Arirang (2011)

2012-01-16T21:31:00.009+01:00

En mai 2011, après une "disparition" de trois ans, le célèbre réalisateur sud-coréen Kim Ki-duk revint au Festival de Cannes pour présenter son nouveau film, Arirang, dans la section "Un certain Regard". Le film n'a rien à voir avec ses précédents films, quinze tournés en treize ans, et presque tous excellents, parmi lesquels on peut citer L'Île (2000), Bad Guy (2001) et Locataires (2004). Arirang est un film expérimental tourné avec un Canon D5 Mark II, avec Kim Ki-duk pour seul acteur. Celui-ci se filme en pleine dépression alors qu'il vit depuis trois an en autarcie dans une cabane en bois. Dans ce film cathartique, on comprend très vite pourquoi Kim Ki-duk avait cessé son travail de réalisateur.

Pour lutter contre le froid, Kim-Ki-duk a installé une tente dans sa cabane.

Kim Ki-duk nous montre ses talents manuels en construisant une machine à café.

Pendant le tournage de son précédent film, Dream (2008), l'actrice principale, Lee Na-young, avait failli mourir lors d'une scène de pendaison. Plus de peur que de mal, heureusement. Très choqué par cet événement, Kim Ki-duk a commencé par remettre en question tout son travail de cinéaste. Dans Arirang - la chanson traditionnelle et folklorique de la musique coréenne la plus connue - Kim Ki-duk se filme lors des derniers mois de sa "retraite", au début de l'année 2011. Comme l'écrit Excessif, "ce qui est impressionnant, c'est que cette auto-psychanalyse est clairement montée comme une œuvre posthume, comme s'il avait pensé se tirer une balle dans la tête avant même de la finir". Une œuvre "différente" de cinéma-vérité qu'on aimera ou qu'on détestera en criant au nombrilisme et à l'onanisme.

Kim Ki-duk répond à son ombre.

Kim Ki-duk a lui-même expliqué l'histoire du film :

Arirang
est une histoire
dans laquelle Kim Ki-duk joue trois rôles.
A travers Arirang, je franchis une colline de ma vie.
A travers Arirang, j'essaie de comprendre l'Homme, je remercie la nature et j'accepte ma condition actuelle.

De nos jours,
entre le monde des hommes, où s'entremêlent des désirs,
le monde des fantômes, rempli de chagrin
et le monde imaginaire, où se cachent nos rêves,
nous devenons fous,
sans début ni fin.

Qu'est-ce que l'affection, de stagner ici et là dans mon cœur et de pourrir ainsi ?
Pourquoi reste-t-elle au sommet de ma tête pour questionner mes émotions ?
Pourquoi se cache-t-elle au fond de mon cœur pour éprouver ma compassion ?
Quand je n'ouvre pas mon cœur à quelqu'un, je deviens une personne mauvaise et je l’oublie, mais quand je lui ouvre mon cœur, je ne peux jamais le laisser partir, comme un lâche.
Ô
Arirang.
Oui.
Entretuons-nous
cruellement dans notre cœur jusqu'à la mort.

Aujourd'hui aussi,
en me contrôlant, je me laisse envahir par la rage,
en souriant, je tressaille de jalousie,
en aimant, je hais,
en pardonnant, je tremble avec une envie de tuer.
Attendez voir.
Je vais me tuer,
moi qui me souviens toujours de vous.

Bande-annonce d'Arirang de Kim Ki-duk.

Jo Kyong-sun - Bellflower (1987)

2012-01-14T13:45:00.014+01:00

Le cinéma de Corée du Nord est fort méconnu, et ce, à juste titre, puisque le régime nord-coréen rechigne à exporter ses productions nationales en Occident - sauf cas exceptionnel comme Journal d'une jeune Nord-Coréenne en 2006. Grâce à Internet, il est malgré tout possible de visionner plusieurs films nord-coréens, comme The Broad Bellflower (Campanile en français) de Jo Kyong-sun (ou Kyun Soon Jo), distribué en 1987 - année de la création du Festival international du film de Pyongyang. On connaît la passion de feu Kim Jong-il pour le cinéma puisqu'en plus d'avoir réalisé des films (dont Sea of Blood sur la guerre entre le Japon et la Corée), il a également écrit des essais comme De l'art cinématographique. Deux reportages sur l'industrie cinématographique nord-coréenne sont particulièrement intéressants et incontournables : celui de Vice et celui d'Al Jazeera.

Les superbes paysages champêtres de la Corée du Nord.

Le cinéma nord-coréen s'inspire du réalisme socialiste déjà développé en URSS et en Chine. Le cinéma doit donc représenter le peuple et glorifier le régime politique. C'est le cas dans Bellflower, qui narre le quotidien de villageois des années 1950, entre amours personnelles et développement des infrastructures. La mise en scène est particulièrement soignée puisqu'elle alterne les séquences entre le présent (le retour de Park Won Bong dans son village après l'avoir abandonné une trentaine d'années plus tôt) et le passé (l'explication du départ de Park Won Bong). La morale de l'histoire est simple : plutôt que d'abandonner son village natal pour chercher le bonheur et la prospérité en ville, mieux vaut rester dans son village, même pauvre, afin de le développer et de vivre dans un paradis possible grâce au régime communiste. Le mot "paradis" est d'ailleurs employé à plusieurs reprises par les acteurs pour qualifier leur village.

Il est beaucoup question de pauvreté dans Bellflower.

Dans son article "Le cinéma nord-coréen : arme de destruction massive ?", Antoine Coppola écrit : "dans Bellflower de Jo Kyong-sun, film esthétisant, complexe, aux accents littéraires marqués, c’est une femme appelée à une brillante carrière à la ville qui y renonce pour rejoindre un village isolé en voie de désertification, soudain consciente des besoins des paysans dont les cultures sont menacées". En effet, le film glorifie les actes de Jin Song Rim (interprétée par Mi Ran Oh, "actrice du peuple") qui n'hésite pas à sacrifier son amour pour Park Won Bong et préfère rester dans son village natal plutôt que de partir en ville. Une des trames principales du film est la modernisation du village, surtout son rattachement au réseau électrique, symbole du progrès.

Joie immense : l'électricité arrive enfin au village !

La morale du film : seul le combat rend heureux.

Impatient et individualiste, Park Won Bong préfère quitter son village plutôt que d'attendre "100 ans" sa modernisation. Au contraire, Jin Song Rim préfère couper du bois sous la neige pour construire des poteaux électriques et participer à l'amélioration de son train de vie et de celui des autres villageois. Dans sa dévotion, elle ira même jusqu'à mourir en voulant sauver une brebis lors d'un violent orage. Malheureusement pour elle, elle meurt en raison de son acte héroïque. Consécration posthume : elle figurera dans le registre du village comme "héroïne". L'honneur est sauf. Le régime communiste est légitimé.

Jacques Feyder - L'Atlantide (1921)

2012-01-11T20:00:00.018+01:00

En 1920, après plusieurs années à cachetonner chez Gaumont comme acteur et scénariste, le belge Jacques Feyder commence le tournage du film à grand spectacle, L'Atlantide, tiré du roman à succès du même nom de Pierre Benoît, publié juste à la fin de la Première guerre mondiale. Pierre Benoît a beaucoup inspiré les réalisateurs puisque L'Atlantide a été adapté six fois, Koenigsmark quatre fois, et La Châtelaine du Liban trois fois. L'Atlantide, le film de Jacques Feyder, fut un grand pas dans le cinéma français : le film, d'une durée de 2h40, coûta 1,8 million de francs de l'époque, une somme alors jamais dépensée pour un film. Quand le film fut terminé, la publicité l'annonça sous le slogan : Seul un homme a osé ! illustré d'une photographie de Jacques Feyder en casque colonial. Fait original : le film a entièrement tourné dans des lieux naturels, en Algérie, pendant huit mois, de février à octobre 1920.

Prise de vue en plein air à Paris...

... et dans le désert algérien.

Le scénario de L'Atlantide est simple mais regorge de détails d'intrigues secondaires : deux officiers français, Morhange (Jean Angelo) et Saint-Avit (Georges Melchior), se perdent dans le Sahara et finissent par arriver au cœur du Hoggar dans le fabuleux palais où vit l'impératrice de l'Atlantide, l’énigmatique Antinéa (Stacia Napierkowska), qui règne sur un peuple de touareg. Elle les a attirés là pour en faire ses amants. Elle a l'habitude de les tuer après usage, et conserve leurs cadavres, soigneusement embaumés, dans une salle spéciale. Ensorcelé par Antinéa, Saint-Avit tue son rival Morhange, puis s'enfuit du palais. Mais épris d'amour pour Antinéa, il n'a qu'un désir, retourner s'asservir auprès d'Antinéa.

Morhange hilare et détendu sous l'effet du hachich.

Le lieutenant Massard désespéré sous l'effet de l'opium.

L'Atlantide fut un grand succès. Dans son Histoire générale du cinéma, Georges Sadoul estime que de 1921 à 1932, Atlantide a "probablement été vu par 10 ou 15 millions de personnes, chiffre vraiment exceptionnel dans le cinéma français de cet époque". Le film connut pourtant quelques critiques. Si tout le monde s'accorda à louer la beauté des prises de vue en décor naturel, les décors du palais d'Antinéa et le jeu d'actrice de Stacia Napierkowska (Antinéa) furent critiqués. George Sadoul remet même en question le physique de l'actrice et son "corps singulièrement alourdi par l'abus des loukoums et des couscous". Sympathique. Aujourd'hui, les décors un peu surannés et le jeu excessif de l'actrice principale ne choquent plus le spectateur, qui reste par contre émerveillé des plans en décors naturels, superbes. L'Atlantide a donc très bien vieilli.

Morhange et Antinéa.

Antinéa (Stacia Napierkowska), archétype de la femme fatale.

Le 15 mai 1923, dans la revue Ciné-Miroir, Napierkowska revint sur les conditions du tournage :

Nous sommes restés cinquante jours à Touggourt, avec les Touaregs et leurs méhara, et l'on peut se rendre compte par quelques détails des difficultés que rencontra le grand metteur en scène qu'est Jacques Feyder. Les bandes de méhara, par exemple, devaient évoluer, combattre ou défiler dans le champ de prise de vues juste au moment précis où l'action comportait leur apparition.

Or, dans l'immensité du désert, le champ visuel embrasse parfois des étendues de plusieurs kilomètres. Ordinairement, dans ce cas, on se sert d'appareils téléphoniques en campagne, reliant les différents groupes avec les metteurs en scène. Mais il était impossible d'utiliser ces appareils, parce que la chaleur du sable où reposait le fil était telle qu'elle faisait fondre la couche isolante, et le courant se perdait dans le sable. il fallait utiliser des estafettes à cheval ou des signaux optiques, et nous étions souvent obligés de recommencer plusieurs fois les mêmes scènes, en plein Sahara, par 45° de chaleur à l'ombre.

Petite publicité pour Guerlain.

Ci-dessous, la scène de l'Atlantide où Saint-Avit assassine son ami Morhange, sous l'effet néfaste de la drogue et du charme d'Antinéa.

Mae Murray dans Gilded Lily de Robert Z Leonard

2012-01-08T22:04:00.010+01:00

L'actrice Mae Murray, the lady with bee-stung lips, danseuse pour les Ziegfeld Follies, actrice pour Erich von Stroheim en 1925 dans Merry Widow, a joué dans une quarantaine de films pendant l'âge d'or du cinéma muet. En 1921, elle est l'héroïne de Gilded Lily (Liliane en France), réalisé par son troisième mari, Robert Z. Leonard. Il est aujourd'hui bien difficile de visionner le film. Peut-être est-il perdu. Dans son n°31 daté du 30 septembre 1921, Cinémagazine vantait les mérites du film et de l'actrice principale. Voici l'article :

A sa vivacité, à son charme irrésistible, à sa sincérité bien reconnus, Mae Murray semble nous avoir révélé dans Liliane de nouvelles qualités sentimentales et imprévues. Cette parfaite artiste a tant de personnalité, de beauté inquiétante, de grâce et de vie qu'elle a créé un type qu'aucune autre étoile de l'écran n'aurait pu évoquer.

Le sujet profondément dramatique de Liliane a été spécialement écrit pour Mae Murray par Clara Béranger. Ce rôle d'ensorceleuse et blonde artiste est admirablement interprété par Mae Purray, et la réalisation tout entière de cette œuvre est présentée avec une telle science de l'art cinématographique qu'elle peut être comparée à n'importe qu'elle super-production parmi les plus célèbres.

En effet, Robert Z. Leonard a apporté à l'écran des idées et des réalisations nouvelles qui le classent parmi les meilleurs metteurs en scène de Paramount dont Mae Murray, sa femme, est une des plus brillantes étoiles.

Les effets de la mise en scène sont extraordinaires, et on ne saurait trop le féliciter de ses scènes à grand spectacle qu'il convient de classer non seulement parmi les plus belles, mais aussi parmi les plus originales.

La plus curieuse de ces scènes représente un cabaret de nuit dont Liliane est la grande attraction. Avec ses tables remplies de joyeux convives, la salle est d'un aspect féérique et élégant. A l'extrémité du parquet de danse, les lourds rideaux de velours s'entr'ouvrent doucement et découvrent à nos yeux ravis une immense urne d'argent remplie de ballons de toutes grandeurs. Doucement, ces ballons s'envolent et entourent Mae Murray vêtue du plus délicat et du plus merveilleux costume de danse. Ses qualités de danseuse sont déjà bien connues mais lorsqu'elle tourne gracieuse et légère, les ballons flottant dans l'air autour d'elle, l'effet produit est si beau qu'il semble irréel et qu'il est au-dessus de toutes descriptions.

Mae Murray danse depuis sa plus tendre enfance. A Portsmouth où elle est née, elle faisait le désespoir de sa grand-mère qui, après l'avoir longtemps cherchée, la trouvait en train de danser au milieu d'un cercle d'enfants, aux sons lamentables des orgues de barbarie. Ce n'est que vers 1915 qu'elle se fit remarquer par le public.

Son premier grand succès fut Nell Brinkley Girl, aux Folies Ziegfeld, et c'est vers cette époque qu'elle imagina un sketch original. la première partie était un film tourné par Mae Murray dont l'image s'arrêtait dans un coin en gros premier plan. On escamotait rapidement l'écran, et, au milieu d'une projection éblouissante, Mae Murray apparaissait en personne aux spectateurs émerveillés de voir la vision cinématographique devenir une réalité.

Nombreuses furent les offres faites à Mae Murray. Elle les déclina toutes, car, très artiste, cette jeune et jolie danseuse avait accepté les offres de M. Zukor, qui lui promit formellement de ne lui faire tourner que les films dont les rôles lui conviendraient.

Et c'est ainsi que Mae Murray débuta à l'écran par Sweet Kitty Bellairs dont elle avait toujours beaucoup aimé à lire l'histoire, car Mae Murray est une liseuse enragée, et, parmi ses livres préférés, citons les célèbres histoires d'Elsie Dinsmore, les fables d’Ésope et... les Trois Mousquetaires.

Dans les danses de caractère qu'elle exécute dans Liliane, Mae Murray porte autour de sa cheville droite un double rang de véritables perles dont elle n'a pas hésité à se servir pour tourner. Ces perles qui lui furent offertes par des admirateurs de son grand talent, sont d'un orient des plus rares, et, sur la photographie, on en remarque le merveilleux chatoiement.

Sono Sion et Tokyo GAGAGA

2012-01-07T12:23:00.001+01:00

Lorsqu'on évoque la carrière du réalisateur japonais Sono Sion (maintenant célèbre pour ses excellents films Love Exposure et Guilty of Romance), on cite souvent son implication dans le collectif artistique Tokyo GAGAGA qui consistait, vers 1993, à manifester dans la rue pour dénoncer la société japonaise. Une des manifestations de ce mouvement éphémère et marginal a été filmée par Jean-Jacques Beineix au début de son reportage Otaku, diffusé en France en mai 1994. Cette scène insolite (le documentaire n'est pas consacré à Tokyo GAGAGA et Sono Sion n'est pas interrogé) prend maintenant valeur de témoignage sur une période méconnue de Sono Sion qui avait, à l'époque, déjà réalisé plusieurs films dont The Room.

Sono Sion en pleine manif Tokyo GAGAGA.

Dans un long entretien réalisé en février 2010, Sono Sion s'est expliqué sur ce collectif artistique : "entre 17 et 21 ans, j'ai écrit des poèmes avant de tourner des films auto-produits en 8 mm. Après ces premiers essais cinématographiques j'ai voulu revenir vers la poésie et j'ai créé le mouvement Tokyo GAGAGA. Vu de loin, ce mouvement pouvait paraître comme des manifestations de rue mais en fait il s'agissait de personnes qui écrivaient des poèmes sur des drapeaux et marchaient dans la rue en arborant leurs drapeaux. Il n'y avait aucun message politique ou social définis. Les policiers venaient souvent empêcher nos manifestations mais comme il n'y avait aucune raison pénale de nous en empêcher, ils ne pouvaient pas nous arrêter. Cette activité n'avait rien d'artistique. Ce n'était même pas un performance. Nous étions environ 200 personnes à descendre dans la rue et je pense que personne ne pensait faire quelque chose d'artistique. C'était comme si une foule se rendait à un concert de punk. Tout ça n'avait rien de politique, il n'y avait aucune revendication. Nous n'étions pas des gauchistes. En apparence, on pouvait comparer ça à une renaissance des luttes des années 1960 mais nous prenions simplement du plaisir à écrire des poèmes et à les montrer. Et je criais GAGAGA, GAGAGA !"

Ci-dessous, l'extrait vidéo d'Otaku qui montre une manifestation de rue de Tokyo GAGAGA.

Josephine Baker par Pierre de Regnier

2011-12-31T08:37:00.002+01:00

Pierre de Régnier, fils de Pierre Louÿs, Henri de Régnier et Marie de Heredia, est l'auteur d'une œuvre courte mais très estimable qui comprend notamment les recueils poétiques Erreurs de jeunesse (1924) et Stances, instances et inconstances (1926), l'essai La Femme (1928), ainsi que les romans Colombine et la grande semaine (1929) et et La Vie de Patachon (1930). Pierre de Régnier a aussi donné dans le journalisme, notamment dans la revue Candide. Dans le numéro du 1er novembre 1925, un Pierre de Régnier enthousiaste consacre un article à la Revue nègre du Théâtre des Champs-Élysées qui rendit célèbre Josephine Baker et introduisit le jazz en France. Livrenblog a publié des extraits de cet article consacré à cette revue inédite révolutionnaire.

Affiche originale de la Revue nègre de 1925 dessinée par Paul Colin.

On en a déjà beaucoup parlé. Il y a des gens qui y sont retournés deux fois et même six. Il y en a d'autres, qui se lèvent brusquement au bout de deux scènes et qui s'en vont en claquant les portes, en criant au scandale, à la folie, à la déchéance, et au culte des divinités inférieures.
...................................
La Revue commence à dix heures et quart.
...................................
Tout Paris est là dans la salle éteinte.
...................................
Et les musiciens de l'orchestre nègre portant leurs instruments, défilent un à un dans l'obscurité devant le rideau gris perle.
...................................
Et le rideau se lève.
Un port, la nuit, très loin, là-bas... des cargos illuminés, la lune, des marchandises sur le quai... et des femmes en chemise, ou en robes, si vous voulez, coiffés de madras, entrent, les unes derrière les autres, pour chanter une petite chanson. Ce sont les girls, qui, à la scène, ont toutes l'air, sauf une, presque blanches.
...................................
Charleston.
...................................
C'est alors qu'entre en scène, très vite, un personnage étrange, qui marche les genoux pliés, vêtu d'un caleçon en guenilles, et qui tient du kangourou boxeur, du sen-sen gum et du coureur cycliste.

Joséphine Baker par Paul Colin.

Joséphine Baker.
Est-ce un homme ? Est-ce une femme ? Ses lèvres sont peintes en noir, sa peau est couleur de banane, ses cheveux déjà courts, sont collés sur la tête comme si elle était coiffée de caviar, sa voix est suraiguë, elle est agitée d'un perpétuel tremblement, son corps se tortille comme celui d'un serpent ou plus exactement il semble être un saxophone en mouvement et les sons de l'orchestre ont l'air de sortir d'elle-même ; elle est grimaçante et contusionnée, elle louche, elle gonfle ses joues, se désarticule, fait le grand écart et, finalement, part à quatre pattes, avec les jambes raides et le derrière plus haut que la tête, comme une girafe en bas âge.
Est-elle horrible, est-elle ravissante, est-elle nègre, est-elle blanche, a-t-elle des cheveux ou a-t-elle le crâne peint en noir, personne ne le sait. On n'a pas le temps de savoir. Elle revient comme elle s'en va, vite comme un air de one-step, ce n'est pas une femme, ce n'est pas une danseuse, c'est quelque chose d'extravagant et de fugitif comme la musique, l'ectoplasme si l'on peut dire, de tous les sons que l'on entend.
..................................
Et voici le final.
..................................
Une boîte de nuit.
..................................
Une danse barbare dansée par les girls et par Joséphine Baker. Cette danse, d'une rare inconvenance, est le triomphe de la lubricité, le retour aux mœurs des premiers âges : la déclaration d'amour faite en silence et les bras au-dessus de la tête, avec un simple geste en avant avec le ventre, et un frémissement de tout l'arrière-train. Joséphine est entièrement nue, avec un petit collier en plumes bleues et rouges autour des reins, et un autre autour du cou. Ces plumes frétillent en mesure et leur frétillement est savamment gradué.
..................................
Joséphine qui tourbillonne dans son plumage, les girls qui hurlent et le rideau tombe, sur un roulement pharamineux de la batterie et un coup de cymbale définitif.

Breton, Aragon, Musidora et le cinéma comme "grande réalité"

2011-12-30T15:50:00.009+01:00

Surréalisme et cinéma ont vite fait bon ménage, comme en témoigne l'exemple suivant. La pièce de théâtre Le Trésor des jésuites d'André Breton et Louis Aragon a paru dans le numéro spécial de la revue Variétés, "Le Surréalisme en 1929" (à télécharger ici). Cette pièce devait être jouée le 1er décembre 1928, à l'occasion du Gala Judex destiné à venir en aide à la veuve de l'acteur René Cresté qui s'était illustré en 1917 dans le rôle de Judex dans le ciné-feuilleton de Louis Feuillade. René Cresté était mort en décembre 1922. Son nom resurgit dans les journaux en octobre 1928 quand on apprit que sa veuve, ayant à sa charge une fille infirme, après la perte de son emploi, avait tenté de se suicider. Le Gala Judex fut finalement repoussé au 7 février 1929 et Le Trésor des jésuites ne fut pas joué. Ce fut chose faite, une seule fois, le 17 mai 1935 à Prague, à l'initiative d'un groupe surréaliste tchèque.

Musidora est Irma Vep dans Les Vampires de Louis Feuillade.

Musidora, célèbre pour avoir tenu le rôle d'Irma Vep dans le ciné-feuilleton Les Vampires de Louis Feuillade, grand succès commercial en France en 1915, devait interpréter un des personnages de la pièce. En pleine Grande Guerre, Musidora devient vite une muse pour les poètes. La première rencontre de Breton et de Musidora a lieu en 1917 lors de la représentation théâtrale du Maillot Noir. À cette occasion André Breton lui lance un bouquet de roses. Dans une lettre du 23 juillet 1917 adressée à Théodore Fraenkel, André Breton écrit : "Musidora est bien la femme moderne en quelque chose". Dans une lettre de 1922 ou 1923, Aragon confirme l'importance de l'actrice : "l'idée que toute une génération se fit du monde se forma au cinéma, et c'est un film qui la résume, un feuilleton. Une jeunesse tomba tout entière amoureuse de Musidora dans Les Vampires, le ciné-feuilleton en dix épisodes de Feuillade".

Pearl White en couverture de la revue Picture Magazine en août 1922.

Voici le prologue du Trésor des jésuites, un dialogue entre le Temps et l’Éternité, dans lequel il est question des ciné-feuilletons Les Mystères de New York, de Louis Gasnier, avec l'actrice Pearl White, et Les Vampires, de Louis Feuillade, avec Musidora.

Le Temps : Mirage, nous sommes au cinéma. les images de l'écran, infidèles comme de jolies femmes, s'effacent sous les yeux des spectateurs. Qu'importe ! Le rôle du cinéma n'est-il pas simplement de charmer les heures des hommes ?
L’Éternité : Les heures... les heures de loisir, les heures de travail. Qu'est-ce que les heures ? La pellicule s'altère, les grandes maisons d'exploitation s'effondre les une après les autres. il n'en va pas autrement de la vie, ce film impossible à suivre et dont cependant un jour s'éclaire mystérieusement le sens.
Le Temps : Bah ! tout passe.
L’Éternité : Non.
Le Temps : Qu'est-ce donc qui persiste ?
L’Éternité : Ce qui trouve dans la vie un écho merveilleux... Tiens, puisque tu t'intéresses au cinématographe, je vais te faire assister à l'apothéose d'un genre oublié, que les événements de chaque jour font renaître. On comprendra bientôt qu'il n'y eut rien de réaliste et de plus poétique à la fois que le ciné-feuilleton qui faisait naguère la joie des esprits forts. C'est dans Les Mystères de New York, c'est dans Les Vampires qu'il faudra chercher la grande réalité de ce siècle. Au-delà de la mode, au-delà du goût. Viens avec moi. je te montrerai comment on écrit l'histoire.

Yojiro Takita - Groper Train Wedding Capriccio (1984)

2011-12-30T11:52:00.009+01:00

Le parcours de Yojiro Takita est symptomatique de celui de bon nombre de ses confrères qui, à la fin des années 1970, ont commencé leur carrière cinématographique par le genre érotique du Pinku Eiga et du Roman Porno). On peut citer par exemple les cas de Hideo Nakata (la série Ring) et de Kiyoshi Kurosawa (Cure, Kairo). Yojiro Takita, auréolé en 2009 de l'Oscar du meilleur film étranger pour Departures, a donc débuté sa carrière en réalisant toute une série de films érotiques comiques dans la première moitié des années 1980. Sa spécialité ? S'emparer du chikan, terme qui s'applique aux hommes et désigne l'acte ou l'auteur d'attouchements sexuels sur des femmes et jeunes filles dans les transports en commun aux heures de pointes. Un véritable phénomène nippon !

Un mélomane dinguo qui compose de la musique classique sur une calculatrice Casio.

Un détournement de censure comme on en fait seulement au Japon !

Entre 1981 et 1985, Yojiro Takita réalise pas moins de onze films de chikan densha, soit "le train des pervers", dont Groper Train Wedding Capriccio (痴漢電車　ちんちん発車 - Chikan densha: chinchin hassya), en 1984. Pas besoin de scénario complexe : ici, un détective privé doit enquêter sur la vie des deux enfants d'un homme millionnaire sur le point de mourir, afin de rédiger son testament et de leur léguer sa fortune. Comme dans de nombreuses familles, les enfants et les proches du mourant se déchirent pour toucher le pactole. Meurtres, fausses tentative d'assassinat et trahison sont au rendez-vous. Le détective réussira-t-il à faire éclater la terrible vérité ?

Scène typique du Roman Porno, genre essentiellement basé sur le plaisir féminin.

Avec cette mince trame narrative, Yojiro Takita alterne les scènes obligatoires de sexe (soft) et de scènes comiques souvent grotesques et désopilantes. Les films érotiques de Yojiro Takita, surtout la série du "train des pervers", sont véritablement burlesques : à l'instar du détective dont rien que le physique et la démarche le rapprochent de l'inspecteur Gadget ! La scène où il tripote les culottes des femmes dans le métro afin de leur faire ouvrir la bouche pour vérifier qu'elles n'ont pas d'amalgame dentaire en diamant est particulièrement savoureuse. Autre moment de rigolade, la scène reproduite ci-dessous, hommage décalé à Rencontres du troisième type de Steven Spielberg ! Décidément, le film érotique nippon est plus funky que son homologue européen.

Shozin Fukui - √ 964 Pinocchio (1991)

2011-12-29T17:52:00.013+01:00

A l'instar de Sogo Ishii et Shinya Tsukamoto, Shozin Fukui a commencé par réaliser des films expérimentaux à faible budget qu'on peut qualifier de cyberpunk. Shozin Fukui a d'ailleurs été brièvement assistant-réalisateur de deux personnes sus-nommée à la fin des années 1980. En 1991, après deux courts et un moyen métrage, il sort son son premier long-métrage : √ 964 Pinocchio. A ne pas montrer à tout le monde ! Si le scénario est un peu confus, c'est surtout l'ambiance du film qui frappe le spectateur : une ambiance malsaine, proche de la folie, et où la violence est surtout intérieure malgré un final explosif.

Deux clientes mécontentes du manque d'ardeur de Pinocchio 964.

A une époque non identifiée, un scientifique fou fabrique illégalement des androïdes dont le but est de satisfaire sexuellement des clientes pour le moins lubriques et perverses. Un jour, une cliente dominatrice exigeante n'est plus satisfaite par son androïde, Pinocchio 964, et le jette à la rue. Errant tel un zombie dans les rues de Tokyo, il est recueilli par Himiko, une amnésique cachant un troublant secret, qui entreprend de l’aider à vivre et à s’adapter dans un monde où la mémoire serait inutile. Alors que le scientifique fou, effrayé à l'idée que les autorités découvrent son androïde, et donc ses activités illégales, lance son équipe à la recherche de Pinocchio 964, ce dernier commence à retrouver l'usage de la parole et de la pensée... pas forcément pour le meilleur !

Pinocchio 964 : carrément méchant, jamais content...

Dans un entretien très riche donné à Midnight Review, Shozin Fukui explique que les acteurs principaux de √ 964 Pinocchio n'ont plus jamais joué dans des films après cela. On apprend également que le filma été tourné pour moitié en guerilla shooting, c'est-à-dire à la sauvette dans la rue. On s'en doutait... notamment pour la longue scène où Pinocchio court dans les rues tokyoïtes comme un taré. Après √ 964 Pinocchio, Shozin Fukui sort un deuxième long-métrage où il est encore question d'expérimentations scientifiques déviantes, Rubber's Lover (1996).

Début de √ 964 Pinocchio.

FJ Ossang, Fernando Pessoa et Dom Sebastiao

2011-12-26T09:59:00.009+01:00

En 1999, l'écrivain et cinéaste FJ Ossang a publié le poème de 10 pages, dans le froid spécial des matins de voyage via Pessoa (édité par Derrière la salle de bains). Dans cette errance spatio-temporelle (du Lisbonne du 16è siècle au Londres punk de 1977), Ossang convoque Fernando Pessoa, Christian Rosenkreutz, Victor Chklovski, Stanisław Witkiewicz, Raymond Abellio, Arthur Cravan, Stanislas Rodanski, les Sex Pistols et Dom Sebastiao. Dom Sebastiao, Roi du Portugal et des Algarves de 1557 à 1578, "devenu le Roi caché d'une légende christo-musulmane en matérialisant l'Expansion Mythique des fils de Lusus afin de se dissoudre dans l'universalité et atteindre à la toujours renouvelée création du monde". La destinée du conquérant Roi Sebastiao, soupçonné de folie, n'est pas sans rappeler celle du conquistador espagnol Lope de Aguirre, mythifié au cinéma en 1972 par Werner Herzog. Dom Sebastiao figure donc logiquement au panthéon de FJ Ossang, aux côtés du Comte de Lautréamont, de Roman Fedorovitch von Ungern-Sternberg ou William Burroughs.

Fernando Pessoa, auteur du Banquier anarchiste et du poème "Le Cinquième Empire".

Voici quelques extraits de dans le froid spécial des matins de voyage via Pessoa.

Tombé dans le froid spécial des matins de voyage,
qui ne se demande à quoi bon vivre.
L'aurore est vaine, et le voyage ne conduit nulle part,
si l'on considère qu'à peine sommes-nous débarqués
nous attendons qu'une autre étiole se détache du ciel,
descende sur les épaules, et nous expulse encore dans
Ce froid spécial des matins de voyage.
Fernando Pessoa s'est penché sur la question à tel point
qu'il est aujourd'hui rendu au bout de tous les voyages.
Le voici devenu l'emblème du Cinquième Empire,
le point de ralliement de tous les irréguliers
pour qui Naviguer est plus nécessaire que Vivre -
à supposer qu'il existe des marins convaincus d'arrêter
la tempête en se jetant par dessus bord.

[...]

Maintenant, je me souviens : le train pour Genève via Lyon m'attendait
au petit matin, dans cette gare qu'Abellio a promise à l'accueil
des convois rebelles de la fin des Temps.
L'aurore à Thulé-Matabiau.
C'était à Toulouse, en soixante-seize ou dix-sept, et j'espérais
rencontrer Rodanski à Lyon, dans une des imprévisibles chambres de l'hôpital
psychiatrique Saint-Jean-de-Dieu. Je comptais pousser ensuite
jusqu'à l'eau verte de Genève. (Les Sex Pistols commençaient à être
célèbres.) Masqué sous un pseudonyme digne du Caput Mortuum, John
Lydon proclamait : No Future for you ! Nous sommes le poison dans la machine.
Les fleurs dans la poubelle. L'aventure derrière l'écran.
Arthur Cravan n'était pas si loin, mais le 101's club n'est pas devenu
le Cabaret Voltaire. 1916-1976, Zurich-Londres aller-retour, Nostalgie
Nostalgie, tu es l'autre nom de la mort.
La veille, c'était un beau soir d'hiver, et j'avais marché dans le crépuscule
des carmins bords de Garonne, avant d'enfiler les petites
ruelles du vieux centre, et de découvrir "Le Retour des Dieux"
de Fernando Pessoa (Manifestes du Modernisme Portugais) à l'étal d'un
libraire affectant les ouvrages de critique sociale.

William Burroughs par Dominique de Roux

2011-12-21T21:23:00.004+01:00

En 1972, Dominique de Roux publie Immédiatement, un recueil d'aphorismes, de courtes réflexions poétiques, politiques et d'instantanés de l'époque. A l'époque, de Roux a publié plusieurs essais dont La Mort de L.-F. Céline (1966), L’Écriture de Charles de Gaulle (1967) et Gombrowicz (1971) ainsi que des romans comme La Maison jaune (1969). Renouant avec la fonction originelle de l'aristocratie, de Roux se veut un soldat, un révolutionnaire, d'abord dans les lettres, plus tard dans l'action directe au Portugal et en Angola. On lit dans Immédiatement des textes superbes sur Ezra Pound et Jean Parvulesco, des piques à l'encontre de Servan Schreiber, Philippe Sollers, Jean Paulhan et autres cuistres (voir cette vidéo, à partir de 8'40 pour comprendre son goût de la provocation). A l'écoute de la beat generation, Dominique de Roux a aidé, avec Christian Bourgois, à la reconnaissance en France d'écrivains comme Jack Kerouac, William Burroughs ou Allen Ginsberg. L'extrait suivant, une rencontre avec William Burroughs à Londres, témoigne de cet intérêt pour l'auteur du Festin nu.

William Burroughs, l'Homme Invisible, en 1960.

W. Burroughs. Je vais le voir dans son mastaba de Cavendish Street à Londres, guidé par Claude Pélieu et Mary Beach. Un couloir sombre, plusieurs couloirs pour aboutir au foyer.C'est l'Homme Invisible mais un Homme Invisible joué par Buster Keaton. Visage aigu de Lovecraft, de tous les Boréaux, plus Islandais qu'Irlandais. Se saoule pour ne pas penser à Dieu. Fièvre de sectateur. Sa hantise du Monde Blanc de l'Amérique Blanche, comme Jack Kerouac, parti un jour sur la route avec le sac à dos taillé par sa mère qui avait glissé dans les poches les sandwiches, la couverture, les vitamines et le billet de retour. Il fallait qu'il puisse retourner au cimetière de son village. Quand Kerouac en avait assez de ses admirateurs il leur tapait dessus ; Burroughs, lui, tirait au fusil ; maintenant à Londres si un beatnik sonne il met la chaîne sur la porte entrebâillée et lui dit : "Rien à vous dire, écrivez-moi une carte postale". Burroughs appartient à l'autre monde, c'est pourquoi il peut décrire l'Enfer du monde moderne. Vit retiré. Volonté d'anonymat. il fulmine entre ses dents une heure durant parce que le propriétaire de la maison qu'habite Pélieu a invité les deux Bobbies, de faction devant la maison d'un député, à prendre une tasse de thé. "Il faisait si froid n'est-ce pas". Or la maison empestait le hachisch et il y avait des pipes qui traînaient. "Bloody Cop, bloody Cop", répétait Burroughs à Pélieu, Bacchus dans la chaleur des herbes et des pavots.

FJ Ossang raconte ses débuts dans le cinéma

2011-12-06T21:26:00.006+01:00

Dans cet entretien de sept minutes, le poète, musicien et réalisateur F.J. Ossang, notamment auteur du journal de voyage Les 59 Jours, revient sur ses premiers pas dans le monde du cinéma. A la fin des années 1970, il est déjà l'auteur de plusieurs recueils de poésie et l'initiateur de la revue Cée, co-éditée un temps par Christian Bourgois, et qui publie les textes d'auteurs de renom comme Claude Pélieu et Stanislas Rodanski. F.J Ossang est également musicien : d'abord dans DDP (De la Destruction Pure), puis au sein des Messageros Killer Boys.

F.J. Ossang, l'homme à la caméra.

En 1981, il entre à l'Institut des hautes études cinématographiques (Idhec). Deux courts métrages et un long métrage sont réalisés : La Dernière énigme (1982), Zona Iniquinata (1983) et L’affaire des divisions Morituri (1984). La carrière cinématographique de F.J. Ossang est lancée. il réalisera par la suite trois autres longs métrages : Le trésor des îles chiennes (1990), Docteur Chance (1997) et Dharma Guns (2010).

Jean Parvulesco répond à Olivier Germain-Thomas

2011-12-03T00:33:00.006+01:00

Entre 1978 et 1995, Olivier Germain-Thomas anime l'émission "Agora" sur la radio France Culture. En plus de Kenneth White, Philippe Sollers et bien d'autres, il interroge l'écrivain méconnu Jean Parvulesco. En 1989, pour l'émission "Océaniques" diffusée par France 3, il s'entretient une nouvelle fois avec ce dernier. En 1991, Olivier Germain-Thomas publie Agora, les aventuriers de l'esprit, un recueil de 26 entretiens réalisés dans le cadre de son émission radiophonique. L'entretien le plus étrange, le plus crypté, le plus dangereux, est celui de Jean Parvulesco. En voici la chute, où le Roumain francophone livre sa vision du roman, en directe ligné de la romance médiévale. Une conception qu'il défend également dans Les Mystères de la villa Atlantis.

Jean Parvulesco repose maintenant au nouveau cimetière de Boulogne.

O G-T : Depuis La Servante portugaise, le "grand œuvre" du roman se poursuit. Jusqu'où ? Quelle vision d'ensemble avez-vous de vos romans, de la mission spéciale de vos romans dans leur succession ? Comment en êtes-vous venu au roman ? Parlez-moi de vos roman déjà parus, de vos romans en chantier, de vos romans à venir, ou qui ne viendront peut-être jamais, romance d'un long rêve prédéterminé.

Je ne sais pas si je vais pouvoir répondre à vos questions d'une manière qui soit et satisfaisante et tout à fait claire, mais je vais essayer de le faire. Suivant les conceptions originelles qui ont été, en de tous autres temps, et pour la dernière fois lors du bref ensoleillement ontologique et théologal de notre haut Moyen Âge, les conceptions hyperboréennes du printemps du cycle actuel de l'histoire occidentale de la fin, ce que vous appelez, vous, aujourd'hui, ici, le "grand œuvre" de mes romans en cours se doit d'être pensé et compris, se doit d'être vu et existentiellement poursuivi - à nouveau - en tant que Romance, dans le sens du roman, de la "romance" de la Table Ronde, dans le sens aussi du "roman amoureux" de l'embellie courtoise et des manipulations nuptiales les plus occultes des Fedeli d'Amore, des agents à couvert de la Fede Sancta.

Ainsi se fait-il que l'expérience si tragiquement aventureuse du "grand œuvre" actuellement en cours à travers certains de mes romans se pose, aujourd'hui, à son niveau le plus saisissable, à son niveau de témoignage, dans les termes d'une poursuite, d'une écriture ininterrompue du roman, en fait d'un même roman, en tout cas de la même "romance".

Roman après roman, toujours le même roman même si l'action le véhicule, son propre historial de l'être, évolue sans cesse, et toujours, aussi, la même "romance", car il n'y a pas, car il n'y a jamais eu qu'une seule et même Romance d'Amour, romance établissant les développements nuptiaux visibles et les plus clandestins aussi de l'Unique Maîtresse de l'Unique Amour, Reine d'Amour, Reine Guenièvre constituant le Pôle Ardent de la Forteresse Amour, son "cœur vivant et battant dans les profondeurs de Son Sang", où "chantera la Source du Sang, qui a déjà chanté".

Véhiculés subversivement par la même spirale prophétique, dont la montée ni le secret ne leur appartient guère, chacun de ces romans, publié ou à publier : La Servante portugaise, Les Mystères de la villa Atlantis, La Conspiration de l'Axe Majeur, Un Bal masqué à Genève, L'Hôtel Victoria, vient définir un nouveau palier de montée ontologique du témoignage d’œuvre en cours, et qui à chaque fois risque de dépasser vertigineusement, intègre nuptialement la somme des achèvements antérieurs en vue très certainement de ce Passage de la Ligne dont l'inconcevable espérance attire, porte tout en avant.

Un dernier mot. J'avais écrit, un jour, que, dans les profondeurs, la France n'est pas à proprement parler une nation, mais une conjuration, une "société secrète", le produit d'un pacte héroïque et salvateur, de prédestination et d'être eschatologique. Dans un certain sens, on peut en dire autant du roman, du grand roman occidental et de son aventure finale : le roman est en lui-même une conspiration, une société secrète d'influence et de passage, de présence charismatique au-dessus des gouffres.

Documentaire sur Johnnie To

2011-11-29T22:14:00.008+01:00

Yves Montmayeur a sorti en 2010 "Johnnie Got His Gun !", documentaire consacré au réalisateur et producteur Hong-kongais Johnnie To. Comme son titre l'indique, ce documentaire délaisse les comédies romantiques comme Needing You (2000) et Yesterday Once More (2004) pour se consacrer à la facette la plus connue et la plus appréciée de Johnnie To : les polars et les films sur la triade. Yves Montmayeur suit donc Johnnie To sur les tournages de plusieurs films dont les chefs-d’œuvre Breaking News (2004) et Exilés (2005), ainsi qu'au Festival de Cannes lors de la sortie d'Election, pour finir, en 2010, sur le tournage de Life without Principles, présenté en septembre dernier lors du Festival de Venise.

Il est beaucoup question d'armes à feu dans le documentaire !

"Johnnie Got His Gun !" regorge de scènes passionnantes et très instructives pour tout amateur de Johnnie To. Par exemple, lorsque Cheng Sui-Keung, le directeur de la photographie attitré de To, explique la répétition et le tournage - en une seule prise - du plan-séquence d'ouverture de Breaking News. De même, lorsque Johnnie To explique l'importance de l'éclairage artificielle dans le film nocturne PTU. Ou encore lorsque l'acteur Simon Yam déambule dans les décors inachevés de ce qui deviendra l'hôtel-bordel où se déroule la fusillade finale d'Exilés.

Photo du tournage d'Exilés.

Johnnie To explique comment il travaillé son style en œuvrant pendant près de vingt ans pour la télévision, allant jusqu'à filmer vingt scènes par jour. A l'âge de 12-13, il avait eu une "révélation" en voyant Pour une poignée de dollars de Sergio Leone. Aujourd'hui, on peut aisément dire que Johnnie To est, comme Sergio Leone, passé maître dans la mise en scène des duels et des fusillades. Il déclare d'ailleurs filmer les scènes de pistolets comme des combats d'épées. Chaque balle, chaque tir a son importance et sa raison d'être.

Ci-dessus, un extrait du tournage de Breaking News.

Parvulesco, Douguine et l'empire eurasiatique

2011-11-17T21:59:00.015+01:00

Dans son journal-roman Le Sentier perdu, publié en 2010, entre les analyses politiques sur l'Inde, Sept ans au Tibet de Jean-Jacques Annaud, les Mémoires de Leni Riefensthal, le canular antimaçonnique Diana Vaughan ou sa dernière rencontre avec Ava Gardner, à Barcelone, en 1963 ("Ava, couverte de sueur, les cheveux dans les yeux, dépoitraillée, les lèvres peintes d'un rouge foncé, presque noir, les yeux scintillants comme deux diamants aux feux sombres, paraissait en proie à une excitation fiévreuse"), Jean Parvulesco, écrivain d'extrême avant-garde, cite in extenso l'article de Reinhardt Jünger-Meinert sur une émission de Radio Moscou d'Alexandre Douguine consacrée, justement, à Jean Parvulesco lui-même et sa géopolitique grand-européenne. Lecture essentielle pour la compréhension du concept d'empire eurasiatique, en 1997 (il y a 14 ans !) .

Alexandre Douguine et Jean Parvulesco.

Récemment, Alexandre Douguine a consacré, sous le titre de Finis Mundi, une fort exceptionnelle émission, sur Radio Moscou, à l'exposition des doctrines littéraires, spirituelles et géopolitiques, à l'analyse très fouillée de la vie et de l’œuvre visionnaire de Jean Parvulesco, émission d'une durée d'environ deux heures et qui n'a pas manqué de provoquer des remous tout à fait considérables dans les milieux intellectuels d'avant-garde de la capitale de la Russie.

Soutenue par un important dispositif d'accompagnement musical, ainsi que par la participation de plusieurs interprètes professionnels des textes cités, l'émission d'Alexandre Douguine s'est efforcée de passer en revue la totalité de, l’œuvre écrite, disponible à ce jour, de l'auteur des Mystères de la villa Atlantis, en mettant en l'accent grave sur les dimensions occultistes opératives de celle-ci, ainsi que sur les dimensions métapolitiques supérieures de ses engagements géopolitiques dans les voies du prochain avènement de la nouvelle Europe grandes-continentale, de l'"Empire Eurasiatique de la Fin", autrement dit de la l'intégration impériale finale du Grand Continent comportant l'Europe de l'Ouest et de l'Est, la Russie et la Grande Sibérie, l'Inde et le Japon, version révolutionnaire finale du concept haushoferien fondamental de Kontinentalblock.

Alexandre Douguine a présenté son analyse de l'ensemble de l’œuvre de Jean Parvulesco par une suite vivante, soutenue, concentrée, souvent provocante à dessein, de brèves interventions ponctuelles, qu'armaient de substantielles citations de celle-ci, parfois dramatisées. la présence irradiante de l'Inde, et de certaines doctrines tantriques hindoues des plus prohibées, dans l’œuvre de Jean Parvulesco y a été puissamment soulignée, à maintes reprises, avec une force et une accentuation des plus significatives.

De gauche à droite : Édouard Limonov, le chanteur Iegor Letov et Alexandre Douguine.

Et nous nous saisirons de l'occasion présentée par notre compte rendu sur cette émission pour relever également l'avancée révolutionnaire opérée actuellement par Alexandre Douguine en direction d'une nouvelle interprétation géopolitique des rapports suprahistoriques spéciaux de l'Inde et de la Russie, des rapports prédestinés, profondément occultes, mais dont l'heure est à présent venue pour que l'on en révèle l'importance absolument certaine, décisive.

Aussi Alexandre Douguine déclarait-il, récemment, que "la Russie est le seul vrai Empire du Milieu, le heartland fondamental eurasiatique, le pont occulte entre l'Orient et l'Occident. "On n'arrive aux Indes qu'à travers la Russie, qu'à travers Moscou". Et ensuite : "c'est la raison de l'avortement, aussi mystérieux que tragique, de tous les essais, de toutes les tentatives - essais dont Jean Parvulesco a su saisir les traces, encore brûlantes, avec une impensable clairvoyance, dans son Retour des Grands Temps - de ceux qui ont cru pouvoir rejoindre l'Inde autrement que par le passage obligé de la Russie. "Mon pays, Russie, Inde blanche", s'était écrié le grand Nikolay Kluyev. Car la Russie est l'Inde primordiale, la terre sacrée des commencements des temps avant les temps actuels, du commencements des temps Antérieurs. Tilak, tout comme Jacolliot, ont prouvé que les Védas avaient été composées dans certaines terres polaires extrêmes, que des fouilles archéologiques récentes montrent comme des territoires placés par le destin sous le contrôle et la protection de la Russie. Le retour à Bénarès, le roman au propos chiffré d'Olivier Germain-Thomas dont Jean Parvulesco nous dévoile les significations cachées dans Le Retour des Grands Temps, n'est-il pas très précisément voué à montrer que tout ce que l'on peut encore découvrir de l'Inde, sans passer par la Russie, ce sont les "cendres de la Bien-Aimée", le "retour à l'Inde noire". Car l'"Inde blanche" c'est seulement la Russie qui peut nous donner l'accès, la Russie transcendantale, dissimulée, sainte autant que sanglante, à la fois violée et vierge, et vierge à jamais. Et Alexander Blok ne s'était-il pas écrié, lui aussi, dans une terrible envolée mystique et amoureuse, "Ma Russie, ma Femme ? Nuptialement, prophétiquement ; tantriquement".

Alexandre Douguine, eurasiste convaincu et lecteur de Jean Parvulesco.

Cette émission d'Alexandre Douguine sur Jean Parvulesco restera donc, sans aucun doute, comme une instance fondamentale de la prise de conscience suprahistorique grande-européenne en train de naître et de s'affirmer aujourd'hui à la pointe de l'immense vague révolutionnaire qui s'apprête à tout balayer sur son chemin, la vague de fond d'une nouvelle Révolution Mondiale Totale, de la nouvelle Totale Weltrevolution qui se lève à l'horizon de notre attente sans heure.

Avec Alexandre Douguine, la délégation grande-asiatique de Moscou prend aujourd'hui sa véritable place au sein du front révolutionnaire impérial grand-européen, au sein de la nouvelle Révolution Polaire en marche vers l'accomplissement de son destin final, dont personnes ne saurait se figurer la véritable identité, et bien moins encore le vrai visage.

Et ne faut-il pas voir, déceler un signe prémonitoire dans le fait que, grâce au travail majeur d'Alexandre Douguine, l’œuvre visionnaire de Jean Parvulesco est parvenue ainsi à rayonner, depuis Moscou, vers le corps continental asiatique de notre future unité polaire impériale eurasiatique ?

Sogo Ishii - Electric Dragon 80.000 V (2001)

2011-11-12T08:14:00.009+01:00

Cinéma punk ! C'est ce qu'on dit du cinéma de Sogo Ishii, entré en scène avec des films mutli-vitaminés et nihilistes comme Panic in High School (1978), Crazy Thunder Road (1980), Shuffle (1981) et Burst City (1982). Du cinéma coup de poing façon Battle Royale de Kinji Fukasaku ou Shinya Tsukamoto. Ce qui n'a pas empêché Sogo Ishii de réaliser des films plus classiques comme Le Labyrinthe des rêves (1997). Comme dans ses premiers films barrés, Sogo Ishii revient dans Electric Dragon 80.000 V à ses amours punks. Dans film en noir et blanc de 55 minutes (format proche des films de Shinya Tsukamoto), Sogo Ishii délivre un film expérimental passionnant.

Un gamin (Dragon Eye Morisson) monte sur pylône électrique et se prend une décharge. Depuis ce choc, Dragon Eye est irritable et pratique la boxe. La seule manière de le calmer est de lui envoyer des décharges électriques, jusqu’au jour où il découvre la guitare électrique, moyen par lequel, il arrive à se contrôler et à se dégager de cette puissance incontrôlable. Accessoirement, Dragon Eye a un métier : retrouver les lézards et autres reptiles. Un Ace Ventura trash. Sans aucune raison particulière, Dragon Eye est confronté à Thunderbolt Bouddha, un autre homme électrique, portant un semi-masque de métal, dont le métier est d’installer des paraboles électriques dans Tokyo.

Dans cette ambiance électrique, ode aux ondes électromagnétiques et aux antennes de téléphonie mobile, Sogo Ishi réalise un film dingue. Ci-dessous, un extrait de la passion guitaristique du personnage principal :

Takashi Miike - Ambition Without Honor (1996)

2011-11-06T09:59:00.008+01:00

En 1996, Takashi Miike est en pleine bourre et commence à faire parler de lui en dehors du Japon. Shinjuku Triad Society (1995), son treizième film, s'est fait remarqué ; Miike peut enfin faire diffuser ses films dans les salles de cinéma et non plus seulement en vidéo. Ce qui ne l'empêche pas de continuer à tourner pour le marché vidéos, comme le montrent The Way to Fight ou Ambition Without Honor (Jingi naki yabo en japonais). Comme son titre l'indique, ce dernier est un film de yakuza qui rend hommage à la série Combat sans code d'honneur de Kinji Fukasaku. Moins élaboré et "miikéen" que Shinjuku Triad Society, Ambition Without Honor reste un film correct, très classique dans le scénario et la mise en scène. C'est tout de même meilleur que Bodyguard Kiba (1993) et, surtout, Bodyguard Kiba 2 (1994).

Testuya va devoir jouer du flingue pour s'en sortir.

Un assassinat nocturne en pleine préparation.

Mauvaise posture !

Tetsuya (interprété par Yuta Sone, qu'ont voit dans d'autres Miike : Gozu, Yakuza Demon, Zebraman et Waru) a seulement 17 ans quand il tue le chef d'une famille de yakuzas, dans le but d'intégrer lui-même la famille rivale, les Shiramatsu. Quand il sort de prison, sept ans plus tard, personne ne se déplace pour l'accueillir. Les temps ont bien changé : les deux familles rivales ont fait la paix et coexistent tant bien que mal. Tetstuya ne l'entend pas de cette oreille et veut à tout prix rejoindre les yakuzas. Face à l'indifférence et au mépris que lui voue la famille Shiramatsu, Testsuya décide de forcer son destin de criminel, en parasitant les activités illégales des yakuzas, en laissant de côté son honneur. Ce parcours de criminel laissera son lot de morts et de sacrifiés.

Le fait d'arme de Testuya qui lui vaudra sept ans de prison.

Interview de Takashi Miike pour 13 Assassins

2011-11-05T18:21:00.004+01:00

Film de samouraïs sanglant, 13 Assassins était en compétition lors du festival international de Venise en 2010. Il n'a reçu aucune récompense même si Quentin Tarantino, qui a joué dans Sukiyaki Western Django de Miike et encense le réalisateur nippon depuis des années, était président du jury. "QT" a préféré récompenser Somewhere de son ex-copine Sofia Coppola !

13 Assassins est une adaptation du film du même nom d'Eiichi Kudo, sorti en 1963. Le scénario est simple : en pleine époque Shoguns (vers 1840), un seigneur abuse de son autorité et de sa force pour contraindre le peuple à assouvir ses envies. 13 hommes se réunissent pour former un groupe de 13 assassins, afin de mettre un terme aux méfaits du seigneur des terres. Le film se termine par un combat final de 50 minutes remplies de fausse hémoglobine !

Dans cet entretien de 18 minutes, Takashi Miike évoque le tournage du film, qu'il ne considère pas comme un film d'action mais comme un drame à voir en famille.

Sono Sion - The Room (1992)

2011-11-01T16:27:00.009+01:00

Deuxième long métrage de Sono Sion, après Bicycle Sighs (1990), The Room (Heya - 部屋 en japonais) a obtenu le Prix spécial du Jury lors du festival Sundance de Tokyo en 1992. Par la suite, il a projeté dans 49 autres festivals internationaux, dont Berlin et Rotterdam. Une reconnaissance étonnante pour un film singulier que la majorité des spectateurs pourrait taxer d'ennuyeux. Rien à voir avec les récents films multi-vitaminés de Sono Sion comme Suicide Club, Exte ou Cold Fish. The Room tient plus du cinéma contemplatif, comme I Am Keiko (1997) : succession de longs plans fixes, dialogues réduits au minimum (le tout tient sur un simple feuillet), et seulement deux acteurs principaux (et deux seconds rôles). Tout ça dans un superbe noir et blanc et une post-synchronisation originale : les acteurs chuchotent au lieu de parler à voix haute !

Un des rares plans du film qui ne se passe pas en milieu urbain.

Akaji Maro : un tueur à gage taciturne.

Yoriko Dogouchi, timide et mystérieuse.

Ennuyeux, The Room l'est délibérément. Dans un Tokyo énigmatiquement désert, un tueur à gage cherche un appartement à louer. Il se rend donc dans une agence immobilière où il est reçu par une salariée quasi-mutique et renfermée. Nous ne connaîtrons jamais les noms des personnages principaux. La seule identité de la jeune femme est son numéro de salariée : 8499537. Les plans fixes, dénués de dialogues, se suivent : le tueur à gages et la jeune femme dans le métro, dans un premier appartement, dans le métro, dans un deuxième appartement, dans le métro, dans un troisième appartement, ainsi de suite. Soit le spectateur se laisse bercer par ce rythme lent, répétitif et minimaliste, soit il décroche complètement et ne verra jamais la chute du film.

Le métropolitain de Tokyo complètement vide.

Visite d'appartement façon Sono Sion.

Le rôle du tueur à gages est tenu par Akaji Maro, célèbre danseur de butoh, acteur et ami de Sono Sion. On le voit d'ailleurs dans plusieurs de ses films : Utsushimi (dans son propre rôle), Suicide Club et Like A Dream, Il joue également dans la trilogie de l'ère Taisho du génial Seijun Suzuki : Zigeunerweisen, Kagero-za et Yumeji. Le rôle de la jeune femme est joué par la charmante Yoriko Doguchi : on peut la voir aussi dans plusieurs films de Kiyoshi Kurosawa, dont le godardien anarcho-érotique The Excitement of the Do-Re-Mi-Fa Girl, Cure, Licence to Live et Charisma.

The Room : visite du premier appartement.

Volker Schlöndorff - A Degree of Murder (1967)

2011-10-30T08:13:00.010+01:00

En 1967, Volker Schlöndorff, jeune réalisateur du Nouveau Cinéma allemand présente au Festival de Cannes son deuxième long-métrage : Mord und Totschlag (Vivre à tout prix en français, mieux connu sous le titre international A Degree of Murder). L'année précédente, le premier film de Schlöndorff, Les Désarrois de l'élève Törless, adapté du roman de Robert Musil, avait déjà obtenu le Prix de la Fédération Internationale de Presse Cinématographique au Festival de Cannes au Festival de Cannes. En 1979, Schlöndorff sera auréolé de la Palme d'Or avec Le Tambour.

La belle et douce Anita Pallenberg.

Hans Peter Hallwachs et Anita Pallenberg.

Aujourd'hui, Vivre à tout prix jouit d'une notoriété parmi les amateurs des Rolling Stones car il met en scène Anita Pallenberg, petite amie de Brian Jones au moment du tournage et petite amie de Keith Richards au moment de la sortie du film. En plus de cela, la musique de Vivre à tout prix est composée par Brian Jones, entouré d'un "super groupe" réunissant Jimmy Page (guitariste des Yardbirds et futur Led Zeppelin), Nicky Hopkins (pianiste récurrent des Stones à l'époque) et Kenny Jones (batteur des Small Faces). Une musique blues teintée d'expérimentations au sitar, à l'orgue et à l'autoharpe, dans la lignée de la musique des Rolling Stones de l'époque (Aftermath, Between the Buttons). Malheureusement, cette musique de film est toujours inédite, sans doute pour des obscures raisons de droits d'auteur. Pis, c'est le film lui-même qui n'a jamais été restauré et publié en VHS ou DVD. Restent des copies pirates de fort mauvaise qualité.

Au lit avec Anita Pallenberg.

Anita Pallenberg et Hans Peter Hallwachs à l'arrière d'un taxi.

Le scénario de Vivre à tout prix est simple : en pleine nuit dans son appartement, Marie (Anita Pallenberg) tue par inadvertance son petit ami Hans qui la brutalisait. Marie décide de ne pas prévenir la police et engage deux hommes pour faire disparaître le corps de la victime. Marie tombe vaguement amoureuse des deux hommes. Le film de Volker Schlöndorff, pas extraordinaire, s'inscrit dans la mouvance du cinéma de la contre culture : musique rock, belle jeune femme indépendante et insouciante, mini-jupe, dialogues simples, économie des moyens de production, etc. Vivre à tout prix est enfin le premier film d'Anita Pallenberg. Elle n'y brille que par sa beauté et sa fraîcheur. Par la suite, elle jouera notamment dans Barbarella de Roger Vadim, Dillinger est mort de Marco Ferreri, Performance de Nicolas Roeg (film sulfureux avec Mick Jagger) et Le Berceau de cristal de Philippe Garrel.

Marc-Edouard Nabe - L'Enculé

2011-10-29T10:10:00.008+02:00

Vingt-deux mois après son pavé de 686 pages, L'Homme qui arrêta d'écrire, Marc-Édouard Nabe revient avec L'Enculé, premier roman sur l'Affaire DSK, qui passionna les journalistes et les futurs électeurs français pendant près de cinq mois, du 14 mai (jour du viol de Naffisatou Diallo au Sofitel, à New York) au 18 septembre (soir de l'entretien déjà mythique entre DSK et Claire Chazal, sur TF1). L'Enculé : un beau bébé de 250 pages, beau papier, belle typographie et même maquette de couverture que L'Homme qui arrêta d'écrire. Trois semaines après sa publication, le livre a peu fait parler de lui : un article de Patrick Besson (un ami) dans Le Point (hebdomadaire dirigé par un autre ami, Franz-Olivier Giesbert) et un entretien sur Europe 1 dans l'émission "Des clics et des claques". C'est maigre pour un livre consacré à "l'événement de l'année" !

Nabe : éternel commentateur de l'actualité

L'Enculé : livre opportuniste sur un sujet qui a défrayé la chronique ? C'est vite oublier que Nabe n'a jamais cessé de la commenter, l'actualité ! Dans son Journal intime, évidemment, parsemé de commentaires sur les événements politiques et médiatiques quotidiens ; mais aussi dans ses articles pour L'Idiot International entre 1989 et 1990, et L'Imbécile de Paris en 1991 ; dans Une Lueur d'espoir (sur les attentats du 11 septembre 2001) ; dans Printemps à Bagdad (sur l'invasion de l'Irak par les États-Unis) ; dans ses articles publiés dans son journal La Vérité (et réunis dans le recueil J'enfonce le clou) ; dans ses huit tracts collés sur les murs de Paris entre juillet 2006 ("Zidane la racaille") et janvier 2009 ("Enfin nègre !") ; et donc, en octobre 2011, dans L'Enculé, sur l'"affaire Dominique Strauss-Kahn".

Ce livre sur l'affaire, s'il est inattendu, n'en est pas moins cohérent. Il est d'autant plus inattendu que lors de l'émission "Ce soir ou jamais" du 2 mai dernier, consacrée à la mort de Ben Laden, Marc-Édouard Nabe avait déclaré écrire un livre sur l'après-11-septembre et le printemps arabe. Il a donc préféré le printemps new-yorkais, en compagnie de Strauss-Khan, Diallo, Sinclair, Brafman, Taylor et compagnie.

Reproduction chinoise des neuf minutes de la suite 2806 du Sofitel de New York.

Nabe : mystique de l'anus, thuriféraire de la sodomie

Le titre L'Enculé sonne d'abord comme une énième provocation - hilarante - de Nabe. C'est sans compter sur l'habitude qu'à Nabe de faire référence à l'anus et à l'enculage depuis trente ans. En voici quelques extraits, pour rafraîchir la mémoire des amnésiques :

Dans Au Régal des vermines, déjà, Nabe exprimait son amour des Noirs et du jazz : "j'espère que les Noirs vont finir par enculer tous les Blancs" (phrase - tronquée - préférée de Gérard Miller)

Dans Une Lueur d'espoir, Nabe comparait le crash des avions sur le World trade Center à l'enculage du monde occidental : "évidemment c'est sexuel. La mort ne demande pas à la vie son avis lorsqu'elle l'encule. Sodomie surprise ! Pas le temps d'écarter les fesses, quelque chose est déjà dedans".

Dans le chapitre "Sodomie chez Saddam" de Printemps de Feu, Nabe enculait Schéhérazade : "juste à côté de son sexe, le revoilà : l'Autre ! Le Seul ! Le Point d'extravagance ! Le Joyau des Bijoux ! L'endroit le plus chic de l'Être ! La noblesse du Moi à l'état pur !"

Et dans L'Enculé, donc, avec, au hasard, ces quelques phrases de coït entre Dominique et Anne dans l'appartement luxueux du 153 Franklin Street : "je la retournai, écartai les deux fesses flasques de son gras cul, et plaçai ma queue de présumé innocent entre. Comme dans du beurre, et sans beurre (je n'ai jamais compris cette mythologie du beurre venue du Dernier tango à Paris). Première lambada à Manhattan ! L'anus d'Anne me happa comme un siphon, je me retrouvai en deux coups de cuillère à pot au fin fond de son rectum".

Anne Sinclair et DSK : le couple le plus balèze de l'univers.

L'Enculé

L'Enculé est un roman, c'est écrit sur la couverture. Le lecteur se retrouve donc la tête de DSK, à partir de son réveil, le 14 mai, dans sa suite du Sofitel. C'est donc une sorte de monologue intérieur, plus dans la manière de Les Lauriers sont coupés d’Édouard Dujardin (1887) que du monologue de Molly Bloom dans Ulysse de James Joyce (1922). Dominique Strauss-Khan nous apparaît tour à tour répugnant, obsédé sexuel pathologique, sensible, attendrissant et finalement, très humain. La sympathie du lecteur pour DSK vient surtout de l'entourage détestable qui gravite autour du président déchu du FMI, notamment sa femme Anne Sinclair, ultra-sioniste névrosée et guerrière, et son avocat Benjamin Brafman, cynique plus ultra.

L'Enculé est un roman éminemment drôle, surtout dans sa première moitié : le Sofitel, le déjeuner qui s'en suit avec sa fille Camille (qui en prend plein la tronche), son arrestation, sa détention à Rikers Island (lire la scène dans laquelle un DSK diarrhéique se torche avec les pages de La Nuit d'Elie Wiesel - scène pourtant lue avec dégoût lors de l'émission "Des clics et des claques" d'Europe 1), son installation au 153 Franklin Street, sa lassitude envers Anne Sinclair, etc... Simplement une phrase, pour ne pas dévoiler tout le livre, cette scène dans laquelle DSK, libéré de sa femme, peut enfin passer plusieurs jours tout seul : "Je m'allonge sur le divan du salon, les yeux fermés, mon chien à mes côtés, et je m'écoute trois heures de chants SS".

DSK et ses fameuses chemises bleues.

Tout roman qu'est L'Enculé, on ne peut pas ne pas se demander si Nabe risque un procès pour injure ou diffamation. On sait les gens tellement procéduriers. Au détour de la page 74, Nabe y fait allusion, avec amusement. Anne Sinclair dit à son mari : "Rachel aussi l'aime bien, ce Nabe... Je ne sais pas ce qu'elle lui trouve. En tout cas, qu'il ne s'avise pas d'écrire sur ton affaire. Sinon je lui fous un procès un cul !" Alors, procès ? Comme a conclu DSK son entretien TV avec Claire Chazal : "on verra... !"

Le dandysme par Luc-Olivier d'Algange

2011-10-28T19:25:00.007+02:00

Dans son essai poético-philosophique L'Ombre de Venise (le premier titre du livre de Nietzsche qu'est devenu Aurore), Luc-Olivier d'Algange livre son opinion sur le dandysme. Rappelons que Luc-Oliver d'Algange est le cofondateur, avec F.J. Ossang, de la revue Cée et de la revue Style, avec André Murcie. Collaborateur à la revue La Place Royale, c'est également un connaisseur de l’œuvre de Jean Parvulesco. Dans L'Ombre de Venise, Luc-Oliver d'Algange écrit donc :

Il y aurait beaucoup à dire sur le dandysme en tant que révolte contre le nivellement par le bas, contre la massification qui sont les symptômes, sinon les causes, du monde moderne, tel qu'il triomphe aujourd'hui dans la mondialisation technocratique... Le dandysme d'Oscar Wilde, par exemple, loin de se réduire à une pure culture de la singularité, peut aussi être compris comme une ascèse. les dandies se rapprochent souvent d'une certaine forme de catholicisme. En témoigne l'admirable De Profundis d'Oscar Wilde. La puissante intellectualité, forgée à la lecture de Saint-Thomas et la grande somptuosité des œuvres et des rites ne peuvent que séduire le dandy qui envisage le monde moderne, en marche, comme une marée d'ennui et de banalité. A cet égard, le dandy appartient beaucoup plus à la catégorie des "ascètes" qu'à celles des "hédonistes". Le dandy refuse la massification, il refuse aussi cette forme inférieure d'individualisme qui fait de la subjectivité et de la spontanéité naturelle de l'individu "moderne" une sorte d'idôlatrie abominable... Mais lorsque l'on vous traite de dandy, c'est rarement dans cette perspective religieuse et étaphysique ; c'est tout au plus une façon polie de ramener vos propos à une insignifiance rassurante... Or, j'y insiste, rien ne m'importe que le péril du Vrai et le vertige du Bien. Le dandy, qui se fait une ascèse de la recherche de la Forme parfaite, le dandy qui ritualise ses gestes, qui introduit un fanatisme dans des questions en apparence futiles ne tente rien de moins que de défier ce monde dominé par les classes moyennes dont l'égoïsme, la vulgarité et la brutalité monstrueuse sont étayés par une certitude sans faille de leur "bon droit" !

Fernando Pessoa, écrivain à succès post-mortem.

Le véritable dandy se voit dans une citadelle assiégée. la beauté du geste, de l'apparence, le sens aigu de la Forme, surtout lorsqu'ils suscitent la réprobation outragée du bourgeois, engagent un combat, voire un drame d'une importance et d'une violence extrême. Le style loin d'être un ornement, est l'ultime Bien. Ce beau que l'on défend est le secret de la bonté métaphysique. Lorsque les barbares de l'intérieur ont triomphé sur tous les fronts, le Style est l'arme dont la possession assure la possibilité d'un recours, d'une recouvrance... Ce fut le dandysme de ceux qui furent d'abord de grands poètes et de grands métaphysiciens, voire de grands historiographes comme Barbey d'Aurevilly. Ce dandysme ne se réduit pas à une singularité exacerbée, accordée au libéralisme bourgeois, dans le genre des créateurs de mode, mais s'aventure sur les voies, infiniment plus mystérieuses, d'une quête d'objectivité à travers le Masque, que l’œuvre de Fernando Pessoa réalisera dans ses ultimes conséquences.

Sono Sion - I Am Keiko (1997)

2011-10-27T18:54:00.010+02:00

En 1997, le réalisateur nippon Sono Sion réalise I Am Keiko (Keiko Desukedo), après un hiatus de cinq ans au cours duquel il s'est investi dans le mouvement de poésie urbaine d'avant-garde Tokyo GAGAGA. C'est son premier long-métrage depuis The Room (1992). pour en savoir plus sur la biographie, lire cet entretien-fleuve réalisé en février 2010.

Premier plan du film : Keiko Suzuki.

Hommage à la France ? Un paquet de Gauloises bleues traîne sur la table.

Pour qui a déjà les films comme Suicide Club (2001), Love Exposure (2008) ou Cold Fish (2010), il sera impossible de déceler la "patte" de Sono Sion. Proche de son premier court-métrage I Am Sono Sion ! (1985, dont voici un extrait dans lequel un Sono Sion hystérique se fait tondre le crâne), c'est-à-dire assez expérimental, I Am Keiko a la particularité de mettre en scène une seule actrice, Keiko Suzuki, une jeune fille cloîtrée dans son appartement et obsédée par le temps qui passe (il y a un réveil ou une horloge dans la plupart des plans). A la mort de son père, la jeune femme se met soudainement à enregistrer chaque minute de ses trois dernières semaines précédant son 22ème anniversaire.

Le réveil : objet fétiche du film.

Un appartement épuré.

Lèvres de Keiko. Quel jour étrange.

Johnny Thunders chante : "Get off the phone".

Le travelling du film : Keiko dans la neige.

Le film consiste en une succession de plans fixes : un premier plan fixe de quatre minutes sur le visage, de face, de Keiko versant une larme ; puis un plan fixe de six minutes sur un réveil rouge, avec la voix de Keiko qui explique qu'elle est née le 8 décembre 1973 à 0:12 et qu'elle aura 22 ans dans trois semaines. Keiko compte à plusieurs reprises jusqu'à 60. I Am Keiko est le film parfait pour apprendre à compter jusqu'à 60 en japonais. Il ne se passe pas grand chose dans le film puisqu'il ne se passe pas grand chose dans la vie de Keiko. Les plans fixes s'accumulent. Pour rompre la monotonie, Sono Sion et en scène une semaine de Keiko en imaginant une parodie de journal TV dans lequel une Keiko déguisée raconte ses journées. L'avant-dernière scène est un travelling de plus de sept minutes dans lequel Keiko marche dans la neige, un parapluie rouge à la main. Le film se termine par le plan fixe du réveil rouge et le décompte de la fin du film.

Dans une parodie de journal TV, Keiko raconte un de ses journées.

FJ Ossang - Les 59 Jours (1999)

2011-06-20T18:34:00.001+02:00

En 1996, FJ Ossang, poète, musicien et cinéaste, part en Amérique latine (Chili, Argentine, Uruguay) tourner son troisième long-métrage, Docteur Chance, dans lequel l'ex-Clash Joe Strummer joue un second rôle. Le scénario : Angstel attend Zelda devant un cinéma où l’on projette l’Aurore de Murnau - mais Zelda ne vient pas. Il voit alors sa dernière chance s’évanouir. Tout lui devient insupportable – ses amours ratées, son talent littéraire gâché, et la conviction d’être devenu étranger à lui-même et au monde… C’est alors qu’il croise Ancetta, danseuse au ‘Wasted’. Lors du tournage de Docteur Chance, FJ Ossang tient un journal de voyage qui paraît en 1999 sous le titre 59 jours, un livre dont la couverture convoque immédiatement le futurisme russe, notamment l'artiste Lazar Lissitzky.

FJ Ossang parsème son texte de références à l'Amérique des années 10-20, asile de nombreux artistes. Par exemple, dans ce extrait :

On a réglé son compte à Cravan dès l'Amérique, à Artaud juste après le Mexique, et Witkiewicz n'en a plus pour très longtemps entre Germanie et Russie, même s'il table encore sur une reconstitution du mirage australien de l’adolescence sous l'épreuve sacrée du Davamesk B2... L'usage des narcotiques est faussé. Dostoïevski, Junger, Ungern se débattent entre fosse et prophétie, texte et superstition, géographie et raison. Il n'y a plus d'Est ni d'Ouest, on le saura bientôt... Que l'Europe replonge en pire que 1915, on s'étonnera...

Des siècles passent entre-temps, et quand Gombrowicz se retourne depuis l'Argentine, on s'y est tous mis, d'une manière ou d'une autre, et ce n'est pas joli. Plus personne ne bouge quand on regarde - pas un qui moufte vrai, tant le baratin culturel s'étrangle, et on a beau défenestrer ses propres gosses, nada, nein, et zéro !

Sur le mur : une coupure de presse annonçant le combat de boxe
entre Jack Johnson et Arthur Cravan en 1916.

Autre moment savoureux des 59 jours, l'arrivée de FJ Ossang à Montevideo, capitale de l'Uruguay et ville de naissance du comte de Lautréamont (Isidore Ducasse), géniteur fou de Maldoror :

Le 28 au soir, on quitte l'Argentine pour l'Uruguay. La tempête lève durant la traversée. Le navire est presque vide. On entre à 60 à l'heure dans la fin du monde. Les cabinets dégouttent le vomissement des passagers. O vieil océan... Le poète ne ment pas. il prévient. les incrédules subissent. Pluie de typhon sur les vitres. L'exaltation me décapite. Je bondis par tous les bords figer une pluie d'atomes. Rien à faire. L'aventure est trop forte. impossible d'écrire. La peste rôde. Le comte aiguise ses plus longs ongles de métal. Les poux enragent dans les caves léprosées d'une antique forteresse garibaldienne. On entre chez Maldoror. On aperçoit des édifices à travers les rafales : Fritz Lang a reconstruit le port de Metropolis. Bourrasque passée au sodium. On entend des avions décoller pour Shangri-La. On vient d'égorger Rosas - la merde et le sang propagent leurs couleurs de mélange sur le Rio de la Plata. On arrive dans Montevideo...

Le temps d'un baiser sur la rampe ducassienne et on s'engouffre dans une voiture. impossible d'apercevoir la ville derrière la buée. On distingue la suffisance des palais, des murs en salpêtre inondé, le silence crépitant par l'orage - Gombrowicz songe aux envoûtés de Buenos Aires. Le Vigan referme sa cape de Sandeman dégoûté sur les banlieues de Tandil. Et Ducasse est royal ! On imagine Dracula passant le port de Brême à la dernière baie sud-américaine. Il décharge une fosse commune sur la plage.

Montevideo nous tend ses bras sombres de madone profanée par l'après-guerre. C'est la cité vampire qu'a rêvée l'océan. Dehors, il y a des platanes arrachés, des torrents éventrent les trottoirs, et toute la boue du Rio de la Plata étrangle un ciel criblé d'étoiles mortes. Nous sommes rendus. Quand on s'endort, John Lydon chante : "and there is energy..."

Joe Strummer. Derrière lui, une photo de Roman Fedorovitch von Ungern-Sternberg,
surnommé le "baron sanglant".

Entretiens audio avec FJ Ossang :
- FJ Ossang, total poète, France Culture, Surpris par la nuit, 17 octobre 2003.
- FJ Ossang à propos de son film Dharma Guns, Radio Libertaire, 15 septembre 2010.

Interview de Go Hirasawa sur l'Art Theatre Guild of Japan

2011-06-08T19:55:00.008+02:00

Du 7 juin au 23 juillet 2011, la Maison de culture du Japon à Paris organise une rétrospective sur la maison de production Art Theatre Guild of Japan (ATG). Une occasion à ne pas manquer puisque toutes les projections sont gratuites. À ses débuts, l’ATG fonctionna comme une structure de distribution à vocation européenne et favorisa la diffusion de films nationaux classés non commerciaux. Refuge des mal-aimés des grands studios (Nagisa Ôshima, Shôhei Imamura, Kijû Yoshida, Masahiro Shinoda), hôte bienveillant de talents hors normes (Toshio Matsumoto, Shûji Terayama, Hiroshi Teshigara) et d’indépendants irréductibles (Shindô Kaneto, Susumu Hani, Akio Jissôji, Kazuo Kuroki), le système ATG (économie de moyen, partage des risques avec les réalisateurs-producteurs, primauté de l’art) fut un moment unique dans l’histoire du cinéma mondial.

Logo de l'Art Theatre Guild of Japan (ATG).

Le critique Go Hirasawa, professeur d'histoire du cinéma à l'Université Meiji de Tokyo et co-auteur du récent livre Koji Wakamatsu, cinéaste de la révolte, revient sur l'histoire de l'ATG.

Comment êtes-vous devenu critique de cinéma et organisateur de rétrospectives du cinéma japonais d'après-guerre ?

A la fin des années 1990, j'étais étudiant en histoire du cinéma, et m'intéressais particulièrement au cinéma des années 60. Mon mémoire de fin d'études était consacré à Masao Adachi et Koji Wakamatsu. Grâce à ce mémoire, j'ai rencontré Masao Adachi et Koji Wakamatsu ainsi que Masao Matsuda (cinéaste, scénariste, acteur et activiste d'extrême-gauche). J'hésitais à continuer mes études mais lorsque j'ai terminé mon mémoire, Masao Adachi s'est fait expulsé du Liban vers le Japon en 2000, j'ai décidé de projeter ses films et d'éditer un livre sur lui. A l'époque, je ne savais pas comment organiser des projections de films et éditer des livres, j'ai tout appris sur le terrain. C'est ainsi que je suis entré dans le milieu du cinéma, en me spécialisant dans les films expérimentaux et politiques des années 1960. J'ai rencontré Roland Domenig et nous avons organisé à Vienne un premier cycle dédié à l'ATG. Nous avons été aidés par Inuhiko Yomota qui été mon professeur de faculté et qui bénéficie d'un bon réseau international dans le milieu du cinéma. Avec Inuhiko Yomota et d'autres critiques de cinéma, nous avons continué à réfléchir sur le cinéma des années 60-70, ce qui m'a permis plus tard d'enseigner à mon tour à l'Université. Depuis dix ans, mon temps se passe donc à monter des rétrospectives et éditer des livres de cinéma.

Il est mort après la guerre de Nagisa Oshima (1970).

Malgré la diversité des cinéastes qui ont réalisé des films grâce à l'ATG, peut-on trouver un dénominateur commun du style ATG ?

L'ATG a vu le jour en 1961 dans le but de promouvoir des films étrangers Art et Essai anti-commerciaux et de les distribuer au Japon. En 1968, l'ATG a décidé de produire ses propres films. On retrouve alors des réalisateurs qui ont déjà sorti des films dans des studios prestigieux comme Shochiku (Nagisa Oshima, Kiju Yoshida, Shinoda Masahiro) et qui rêvaient de réaliser des films qui n'avaient aucune chance de passer dans un grand studio. Même si ces réalisateurs venaient d'horizons différents, on retrouve la même envie qui est celle de réaliser des films anti-commerciaux. Bien sûr, les conceptions personnelles des réalisateurs sur les buts de l'ATG divergeaient. Par exemple, l'idée de Kiju Yoshida était de réaliser un film de qualité avec un très petit budget. Toshio Matsumoto et Shûji Terayama ne venaient pas du milieu du cinéma : Matsumoto venait des documentaires et des films éducatifs ; Terayama du théâtre. Le fait de se retrouver leur donnait une opportunité énorme. Le point commun de tout ce groupe était celui de créer une Nouvelle Vague.

Marginaux à l'époque, les films de l'ATG bénéficiaient-ils malgré tout d'une bonne distribution ?

En 1961, l'ATG possédait 10 salles de cinéma dans tout le Japon, plus la décennie avançait, moins l'ATG possédait de salles. Économiquement, ça ne flamboyait pas mais le contexte politique et social de l'époque poussaient le public à s'intéresser à un cinéma expérimental, donc l'ATG s'en sortait quand même. Le tournant a été la période 1972-74 où l'économie du cinéma Art et Essai a commencé à s'effondrer. L'ATG a donc rencontré des difficultés. A la fin des années 70, l'ATG s'est dirigé vers le cinéma sur 8 mm, avec des films de jeunesse tournés par des réalisateurs tout juste sortis de l'Université, dans le but de trouver un nouveau public.

Pour simplifier, on peut diviser l'histoire de l'ATG en quatre périodes : 1961-1968 : la distribution ; 1968-1974 : la production ; 1974-1977 : l'appel à de grands noms comme Shohei Imamura ou Kon Ichikawa ; enfin 1978-1984 : la volonté de changer radicalement de direction avec des films de jeunesse.

L'Extase des anges de Koji Wakamatsu (1972).

En 1972, L'Extase des anges de Koji Wakamatsu a provoqué un scandale. Que s'est-il passé ?

Même si l'ATG avait tendance à faire venir des artistes différents de TV ou du théâtre, Koji Wakamatsu était le premier à venir du cinéma érotique (pinku eiga). Il avait tendance à mettre en scène des sujets politiques provocateurs. A partir ds années 70, les mouvements politiques commençaient à s'affaiblir. Avec ce film, Koji Wakamatsu a essayé de provoquer et de ranimer les contestations des années 1968-69. Mais à cette époque, un autre mouvement d'extrême-gauche violent porté par l'Armée Rouge Unifiée commençait à émerger et à attaquer des camps militaires américains afin de voler des armes et commettre des actions terroristes urbaines. Avant la sortie d'Extase des anges en salles, une bombe a été posée dans le même poste de police de Shinjuku que celui qui explose dans le film, ce qui a crée un lien direct entre l'actualité et le cinéma. Cette utilisation de l'actualité a été critiquée par ceux qui estimaient que cela incitait au terrorisme. Également à la même période, on a découvert que des membres de l'Armée Rouge Unifiée s'étaient entretué au cours d'un entrainement militaire. Les cinq derniers membres vivants s'étaient réfugiés dans un chalet d'Asama en prenant la propriétaire en otage. Encerclés par la police, ils ont finalement étaient arrêtés au bout de neuf jours [ndla, Wakamatsu est revenu en détails sur ces événements tragiques en 2008 dans son film United Red Army]. Tous ces faits sordides ont été médiatisés pendant la projection d'Extase des anges, ce qui a décidé plusieurs salles de cinéma à refuser de projeter le film. Malgré tout, plusieurs personnes ont soutenu le film au nom de la liberté d'expression.

Cache-cache pastoral de Shûji Terayama (1974).

Que reste-t-il de l'esprit de l'ATG dans le cinéma japonais actuel ?

Pour faire simple, le cinéma japonais actuel n'existerait pas sans l'ATG, même si ce n'est pas une influence partagée et revendiquée par les réalisateurs ou producteurs d'aujourd'hui. Jusqu'au début des années 60, devenir un réalisateur revenait à signer un CDI chez un grand studio. Il y avait quelques mouvements de cinéma underground mais ces films ne passaient pas dans les salles de cinéma grand public. L'ATG a établit un système de distribution qui a donné un élan aux réalisateurs qui voulaient créer des films moins commerciaux. A l'ATG, la règle générale était que pour un budget de 80.000 euros, le réalisateur et l'ATG versaient chacun 40.000 euros. C'est toujours ce système qui perdure au Japon : un comité de réalisation réunit de l'argent pour tourner le film et un studio se contente de financer la distribution. D'une certaine façon, on peut dire que tous les films japonais aujourd'hui sont indépendants. Jusqu'à la naissance de l'ATG, les réalisateurs recevaient un salaire, c'était inimaginable de réaliser un grand film avec très peu de budget.

Que pensez-vous de ces trois réalisateurs japonais reconnus internationalement : Takashi Miike, Tetsuya Nakashima et Sono Sion ?

Les premiers films de Takashi Miike sont très intéressants, ce sont des œuvres expérimentales réalisées avec très peu de budget, mais aujourd'hui, ses films grand budget ne m'intéressent pas vraiment. De Tetsuya Nakashima, seul Kamikaze Girls m'intéresse. Dans le cas de Sono Sion, je m'intéresse surtout à ses premiers films tournés en 8 mm, et à Love Exposure, sorti en 2008. Parmi les trois réalisateurs cités, Sono Sion est celui qui est le plus dans la lignée de l'ATG. Mais je m'interdis d'analyser le cinéma contemporain. Mon intérêt est d'analyser ce qui s'est passé autrefois pour mettre en lumière le cinéma contemporain. Il y a bien sûr des œuvres que j'apprécie, mais je préfère garder une certaine distance.

PS : remerciements à Aya Soejima pour la traduction.

Patrick Yau - Expect the Unexpected (1998)

2011-05-13T20:52:00.012+02:00

Un film chinois. Hong-Kongais faut-il préciser, car en 1998 le litige entre Hong-Kong et la Chine était à son climax. A cette époque politique charnière pour l'empire du milieu, un dilemme se posa pour les producteur de cinéma. Partir aux États-Unis gagner de l'argent et faire des films de merde (John Woo) ou rester en Chine et développer un cinéma national avec un budget limité mais des idées plein la tête. Johnnie To, le Jean-Pierre Melville aux yeux bridés, en imperméable et en ray-ban, n'a pas réfléchi longtemps. Il a choisi de rester en Chine et de fonder en 1997 sa propre maison de production, Milky Way. A raison, puisqu'en 1999, Johnnie To connait un succès international avec The Mission, une bombe de fraicheur salutaire. Jusqu'à maintenant (2011), Johnnie To a réalisé des chefs-d’œuvre incontestables dont Breaking News (2004) et Exilé (2006). Ce sont deux seuls exemples mais la liste est en cours. To est un metteur en scène imparable.

Donc Johnnie To choisit de rester en Chine. Expect the Unexpected est produit par Johnnie To mais est réalisé par Patrick Yau, un autre orfèvre du polar chinois hautement influencé par Jean-Pierre Melville mais qui dépasse le Melville pour porter l'action en milieu urbain chinois (donc très dense). Au héros solitaire et mélancolique melvillien succède le triadeux faussement altruiste et adepte de la gâchette hasardeuse (AK47 pour ton voisin). Un genre de polar qui connait son âge d'or depuis dix ans, quand on s'est rendu compte que Hong-Kong et Johnnie étaient les seuls inventeurs du polar actuel. En France, on s'en fout encore moyennement mais Johnnie To embauche quand même des acteurs français (belges ?) comme Johnny Halliday.

J'ai lu ça et là qu'Expect the Unexpected, à cause de son dénouement étonnant, était une métaphore de la fin de Hong-Kong et de la suprématie de la Chine. Il faudrait m'expliquer. Comme le tire du film l'annonce, la fin du film est inattendue, c'est pourquoi je ne la dévoilerai pas. En revanche, donner une portée politique à ce film est une fraude ultime. En quoi ce film serait plus politique que The Mission ou Breaking News, et tant d'autres films de Johnnie To (et de Patrick Yau) que j'ai tous vus ? Il y a comme une sorte de chasse aux sorcières aux cinéastes chinois qui vient des occidentaux et qui est insupportable. Que Johnnie To ou Patrick Yau réalisent un meilleur film que Luc Besson (avec un budget moindre) me paraît normal (cf Banlieue 13). C'est une question de talent.

Peu importe, Johnnie To fait partie du jury de l'auto-célébration mondaine et financière du Festival de Cannes. Mais c'est trop facile de taper sur l'ambulance. Quand Sono Sion aura la Palme d'Or, j’applaudirai. Pas avant.

Takashi Miike - N-Girls vs Vampires (1999)

2011-04-22T18:00:00.009+02:00

En 1999, Takashi Miike, qui commence à se faire un nom dans le cinéma nippon, réalise pour la télévision le film en deux parties (200 minutes au total) Tennen shôjo Man next: Yokohama hyaku-ya hen, soit, littéralement, Le prochain mannequin féminin : 100 nuits à Yokohama mais exploité aux États-Unis sous le titre : N-Girls vs Vampires.

La mignonne Ayana Sakai, héroïne du film et adepte de la bagarre.

Situons d'abord la carrière de Takashi Miike à l'époque de ce film-TV. En 1997, l'influent magazine Times place le film de yakuza Fudoh parmi sa liste des dix meilleurs films de l'année. En 1998, Miike réalise peut-être son meilleur film, The Bird People in China, ainsi que deux très bons films : Blues Harp et Young Thugs : Nostalgia. En 1999, c'est l'année de Ley Lines (autre très bon film de yakuza), de Silver (un film TV mélangeant le catch féminin à l'univers de Russ Meyer) et Dead or Alive (le film aux scènes d'ouverture et de clôture les plus folles et mémorables de l'histoire du cinéma). Cette profusion de productions, pour le cinéma ou la télévision, est symptomatique de Takashi Miike, stakhanoviste de la pellicule qui tourne tout et n'importe quoi, y compris les commandes les plus foireuses. Commande foireuse, c'est bien le cas de N-Girls vs Vampires !

Il est beaucoup question de Dieu dans N-Girls vs Vampires.

Production TV signifie faible budget, acteurs non professionnels et temps de tournage réduit. Pour un film de 3h30, c'est bien le comble. Toutes ces restrictions se ressentent à la vision de N-Girls vs Vampires : les actrices, certes belles, jouent très approximativement. Surtout, le scénario est mal exploité et destiné, certes, à des adolescents (quelques années avant Twilight). A Yokohama, des lycéennes sont confrontées à une société de mannequinat, Saint, qui est en fait une organisation de vampires misogynes qui vise à la mort de toutes les femmes et à l'instauration du pouvoir vampire sur le monde entier ! Une idée de départ très funky qui aurait pû donner lieu à un film très subversif mais qui tombe dans le banal, production TV oblige. A part deux ou trois scènes furtives dignes de l'univers de Miike, rien ne peut faire penser que nous sommes devant un film de Takashi Miike.

Yokohama selon Takashi Miike.

Amours fleuries.

En 2000, Takashi Miike réalisera, pour la télévision, une série en six épisodes plus ambitieuse : MPD Psycho. Ce sera également l'année d'Audition (carton international justifié), Dead or Alive 2 et The City of Lost Souls. Un bon cru, donc.

Scène de baston entre lycéennes de N-Girls vs Vampires.

Eric Rohmer par Jean Parvulesco

2011-04-19T21:44:00.012+02:00

Le 1er février 2010, quelques jours après la mort d'Éric Rohmer, le Spectacle du Monde a publié un entretien entre Arnaud Guyot-Jeannin et Jean Parvulesco. Ce dernier, grand ami du cinéaste, est même apparu dans trois de ses films : l'Amour l'après-midi (1972), les Nuits de la pleine lune (1984) et l'Arbre, le maire et la médiathèque (1992). On peut également de nombreux passages sur Éric Rohmer dans les livres de Parvulesco, notamment dans Un retour en Colchide. Voici donc des extraits du témoignage de Jean Parvulesco un des grands cinéastes français du 20ème siècle.

Éric Rohmer, les Amours d'Astrée et de Céladon (2007).

Dans quelles conditions avez-vous fait la connaissance d'Éric Rohmer ?

Je l'ai rencontré pour la première fois il y a tout juste soixante ans, exactement le 15 janvier 1950. C'était au Carrefour, un café de Saint-Germain-des-Prés, aujourd'hui disparu mais qui a eu son heure de gloire. Je lui ai été présenté par Jean-Luc Godard, dont je suivais alors les cours de filmologie à la Sorbonne. Je n'étais, à cette époque, qu'un véritable vaurien, sans foi ni loi, une sorte de psychopathe social. Éric Rohmer enseignait à Vierzon et vivait à Paris, rue Victor-Cousin. Il présidait déjà le ciné-club du Quartier latin, tout en assurant la direction de la Gazette du cinéma. Je peux dire aujourd'hui que cette rencontre, qui allait inaugurer une amitié irréductible, substantielle et ininterrompue de soixante ans, eut quelque chose de fulgurant, une sorte de fatalité préconçue.

Les films de Rohmer laissent poindre les valeurs auxquelles il était attaché. Ainsi, dans Perceval le Gallois (1978), ne souhaitait-il pas réhabiliter les grandes valeurs religieuses et aristocratiques françaises et européennes ?

Éric Rohmer était un ami de longue date de Pierre Boutang, avec qui il avait fait l'École normale supérieure, et dont il partageait - assez confidentiellement, il est vrai - les choix existentiels et les positions politiques. Avec Perceval le Gallois, que d'aucuns tiennent pour son film le plus important, Rohmer réussit à retrouver l'atmosphère profondément mystique du Moyen Age occidental, conçu comme une période de grâce agissante, d'élévation spirituelle - inconcevable de nos jours - et de vertigineuse approche du sacré. Je suis persuadé qu'Éric Rohmer a vécu toute sa vie plongé dans l'atmosphère spirituellement ardente dont il avait dévoilé le mystère intime dans son Perceval. D'où une certaine hostilité, tantôt ouverte, tantôt sournoise, d'une partie des milieux du cinéma. Et c'est un vrai miracle qu'il ait pu, malgré cela, accomplir la carrière qui fut la sienne.

Comment Rohmer vous a-t-il dirigé ?

Il me demandait toujours d'« être exclusivement [moi-même] », de « ne pas essayer de jouer ». Dans l'Arbre, le maire et la médiathèque, il ne m'avait donné aucune indication sur le texte à dire, voulant simplement que je dise ce que j'estimais être le plus de circonstance dans une conversation matinale à Saint-Germain-des-Prés, chez Lipp, avec François-Marie Banier assis devant moi, près de la fenêtre. Le courant était instantanément passé, sous l'influence magnétique d'Éric Rohmer.

En résumé, comment décririez-vous sa vision du monde et du cinéma ?

Je crois que cette vision est exprimée dans sa plénitude dans ses trois derniers grands films, l'Anglaise et le Duc (2001), Triple agent (2004) et les Amours d'Astrée et de Céladon (2007), qui constituent le sommet de son œuvre. Avec l'Anglaise et le Duc, il a procédé à un mystérieux processus de réincarnation de l'aventureuse et fascinante Grace Elliott, agent secret de la cour de Saint-James au milieu des tourbillons sanglants de la Révolution. Maîtresse de l'ignoble Philippe Égalité et protégée par Robespierre, Grace Elliott est parvenue à traverser indemne l'horreur absolue de la fin d'une certaine conception aristocratique de la vie et de l'histoire françaises. Par un aventureux dédoublement existentiel, Eric Rohmer a réussi à la faire littéralement se réincarner dans le corps de l'actrice, Lucy Russell. Davantage qu'à une simple interprétation - si brillante fût-elle -, cette dernière s'est livrée à une véritable réincarnation métapsychique du personnage de Grace Elliott. Ce film relève, en fait, davantage de la métempsychose active que de la mise en scène.

Avec Triple agent, Eric Rohmer a su transfigurer les origines occultes du pacte germano-soviétique scellés par les accords Ribbentrop-Molotov. La mystérieuse ambiguïté de ce couple équivoque s'il en fut se répercute admirablement dans les méandres de l'action du film.

Enfin, avec les Amours d'Astrée et de Céladon, Rohmer est parvenu à retrouver les origines transcendantales, « divines », de la future civilisation européenne grand-continentale, une civilisation fondée sur le mystère ardent de l'« absolu amour » et explicitement définie à travers le discours du druide, dont la prophétie constitue l'axe même de cette œuvre testamentaire. Car ce druide prophétique n'est autre que Rohmer lui-même. Ce film exprime aussi une certaine quête forestière - la forêt en tant qu'« ouvert sacré de l'être » en terme heideggerien -, qui s'avérera à l'épreuve comme étant l'horizon même de la puissance créatrice d'Éric Rohmer et de son propre destin.

Lire également :

- Yves Adrien et Jean Parvulesco
- Jean Parvulesco répond à Olivier Germain-Thomas
- Parvulesco, Douguine et l'empire eurasiatique

Svatopluk Inneman - Prague dans les lueurs des lumières (1928)

2011-04-11T20:57:00.010+02:00

Svatopluk Inneman (1896-1945) est un metteur en scène, scénariste, caméraman et acteur tchèque, très actif entre 1920 et 1937. Parmi ses réalisations, on compte Le petit chaperon rouge (1920), la première adaptation d'un conte de fées classique destiné aux enfants, Avant le bachot (1932), un film sur le milieu étudiant d'avant-guerre ou L'assassinat de la rue Ostrovni (1933), un film policier. En 1928, il réalisa un court-métrage de 23 minutes : Praha v záři světel (Prague dans les lueurs des lumières en français), un documentaire sur les différents visages de Prague, de la tombée du soir à l'aube du lendemain.

Prague dans les lueurs des lumières est une commande de la société de l'éclairage public, fière d'immortaliser sur pellicule le développement de l'électricité à Prague. Un éclairage généralisé dans le centre ville qui favorise sa vie nocturne : grouillement humain, défilé de voitures et de tramways, ouverture nocturne de magasins en tout genre, de cabarets, etc. Une superbe témoignage de Prague à la fin des années 1920. Le tout dynamisé par un montage très rythmé.

Dans Le Cinéma tchèque et slovaque, Michal Bregant écrit : "par son sujet - une grande métropole - et par sa forme visuelle, il s'apparente aux films de "métropoles" de l'avant-garde européenne (Berlin, symphonie d'une grande ville, Walter Ruttmann, 1927 ; L'homme à la caméra, Dziga Vertov, 1929). A propos du film sur Prague, précisions qu'il s'agissait d'une commande faite par la société d'éclairage public. Aussi, d'un point de vue cinématographique, ce film n'est qu'un enregistrement des décors d'une grande ville. Ce qui est d'"avant-garde"", c'est la ville même de Prague, qui réunissait à cette époque tout le charme et toute l'atmosphère d'une métropole européenne".

Premières minutes de Prague dans les lueurs des lumières.

Yves Adrien et Jean Parvulesco

2011-04-08T17:11:00.007+02:00

Dans le dernier livre publié de son vivant, Un retour en Colchide (2010), sorte de journal intime halluciné et de projet métapolitique et ésotérique immédiatement opératoire, Jean Parvulesco évoque de nombreuses rencontres, de nombreuses lectures et de nombreuses analyses. Vladimir Poutine côtoie le tsar Nicolas II, les Papes Jean-Paul II et Benoît XVI, Elizabeth d'Autriche, le peintre roumain Horia Damian, l'éditeur Vladimir Dimitrijevic, Louis Pauwels (dans un dialogue effrayant avec Jean Parvulesco lui-même), l'écrivain post-punk Nicolas Bonnal, l'historien Mircea Eliade, le géopolitologue Henri de Grossouvre, les réalisateurs David Lynch et Éric Rohmer, l'actrice rohmérienne Aurora Cornu ; bien d'autres... Une énumération qui n'étonnera pas outre mesure les lecteurs de Jean Parvulesco.

Plus étonnante, cette rencontre avec Yves Adrien, le critique rock légendaire, à la fois amateur des Stooges, du Wu-Tang Clan, d'Alfred Jarry et de Thérèse de Lisieux. Extrait :

Ce 28 octobre 2005, au parc de la Muette, rencontre, dans l'après-midi, avec Yves Adrien et Édouard Burgalat [note de Tomblands : vraisemblablement faut-il comprendre Bertrand Burgalat]. C'est un bien grand jour. Yves Adrien et moi nous nous surveillons, nous nous attendons depuis une trentaine d'années, sans que nous nous soyons, à ce jour, rencontrés. C'est le "noble voyageur", personnage hors du temps et des temps, "venu d'ailleurs", qui subit avec une indifférence affectée les stigmates transparents de son état de grâce, qui se trouve là, devant moi ; l'incroyable accomplissement, tout arrive. Un ange à double identité, noire et blanche, la blanche l'emportant de loin sur la noire qui, subtilement, ne sert que de faire-valoir. Cette ambiguïté est-elle autre chose qu'une étincelante voilure ?

Yves Adrien dans les années 1970.

Une grâce aristocratique le commande, impitoyablement ; selon un mot de Charles Dickens, elle "porte l'estampille du ciel", et sa soumission est la garantie de son excellence prédestinée. Une grâce aérienne commande à son être, à tout instant. Et c'est sans doute ce qui crée un certain malaise, une certaine peur. Sans cesse il impose à ce monde une présence étrangère, d'outre-monde. Qui sont ses étranges, ses mystérieuses protections occultes, qui parvienne tà le maintenir hors des atteintes des "centrales du Chaos" ? Un jour, on saura peut-être qui était Yves Adrien, mais ce sera trop tard, bien trop tard.

En attendant, il est chose certaine que les opérations confidentielles dont il a la charge en ce monde contribuent à rétablir en permanence les déficiences imposées à celui-ci par les ténèbres menant leurs jeux cachés. Sa vraie patrie n'est-elle pas quelque part du côté de la constellation d'Orion ? Ce qu'il faut savoir, c'est que les temps d'Orion reviennent, et ceux de ses anciennes zones d'influence religieuse et civilisationnelle ; et qu'il ne s'agit pas seulement de l'Égypte, mais aussi du cœur irradiant de l'Eurasie, de la "Grande Europe".

Sainte Thérèse de Lisieux sur son lit de mort.

Yves Adrien m'a confié qu'il ne se séparait jamais d'une petite image de sainte Thérèse de Lisieux la représentant sur son lit de mort, les yeux clos, la bouche entrouverte, on dirait qu'elle respire encore ; le visage secrètement brûlé, comme taché par la grande fièvre de la mort ; au-dessous de l'image, une brève citation des écrits de la sainte : " ...ô mon Dieu, vous avez dépassé mon attente". La même image de Thérèse n'a pas un seul instant quitté, depuis une trentaine d'années et plus, ma table de chevet.

Nous autres, l'"armée clandestine" des dévots inconditionnels de sainte Thérèse de Lisieux, constituons actuellement une des armatures les plus sûres de l'Église, le visage de la petite sainte illuminant nos vies en profondeur, comme un vivant soleil de grâce. Comme une garantie de salut, de victoire d'avance acquise par sa veille toute-puissante. Je ne peux encore en être certain, mais il se peut que cette nuit même - la nuit du 8 au 9 novembre 2005 - sainte Thérèse de Lisieux m'ait enfin accordé son pardon. (ce mystérieux pardon serait-il à mettre en relation avec ma rencontre avec Yves Adrien ? Je me le demande.)

Lire également :

- Jean Parvulesco - Les Mystères de la villa Atlantis
- Dominique de Roux par Jean Parvulesco
- Jean Parvulesco - Rapport secret à la nonciature
- Yves Adrien et les filles catholiques

Hiroshi Teshigahara - Tokyo 1958 (1958)

2011-04-04T21:25:00.010+02:00

Tokyo 1958 a été réalisé par Hiroshi Teshigahara avec huit autres réalisateurs : Susumu Hani,Yoshiro Kawazu, Kyushiro Kusakabe, Sadamu Maruo, Zenzo Matsuyama, Kanzaburo Mushanokoji, Masahiro Ogi et Ryuichiro Sakisaka. Le film (long de 24 minutes) lorgne à la fois du côté du reportage d'actualités essayant de saisir l'air du temps, et du film d'avant-garde (le commentaire est en français et en anglais ; le film mélange scènes d'animation et scènes réelles). En 1958, Tokyo est la ville la plus peuplée du monde (plus de 8 millions d'habitants). Le film s'efforce de montrer comment le Japon allie modernité et tradition.

Rassemblement en l'honneur de l'Empereur.

L'Empereur Hirohito.

Tokyo 1958 commence par une scène étonnante : on y voit l'américain Donald Richie, premier spécialiste occidental du cinéma japonais, alors âgé de 34 ans. Un an plus tard, celui-ci publiait l'essai référence The Japanese Film: Art and Industry. Dans le reste du film, le spectateur peut voir la marée humaine déversée par les transports en commun chaque matin, une course de cyclisme sur piste, la décharge de Tokyo, un magasin pour femmes où l'on apprend à se maquiller (avec des produits de beauté occidentaux) et à porter le kimono, une cérémonie d'hommage à l'Empereur Hirohito, un concours de chant de rock and roll et l'ambiance nocturne des boites de nuit.

Drague éthylique avec un mannequin dans une boite de nuit tokyoïte.

Surtout connu pour La Femme des sables (Prix spécial du jury au festival de Cannes en 1964, nomination aux Oscars 1965 dans la catégorie "Meilleur réalisateur") et ses films d'avant-garde, Hiroshi Teshigahara a commencé sa carrière dans les années 1950 en tournant des courts-métrages comme ce Tokyo 1958.

Premières minutes de Tokyo 1958. En français !

Sanne Sannes - Dirty Girl (1966)

2011-04-01T08:00:00.002+02:00

Sanne Sannes (1937-1967) est un photographe hollandais en vue dans les années 1960 et dont la carrière prometteuse a brusquement pris fin dans un accident de moto. Il est passé dans la postérité pour ses très belles photographies érotiques de femmes en extase. Aujourd'hui connu et salué par un public restreint, ses œuvres sont rarement exposées et ses ouvrages ne sont pas réédités. D'où des prix ridiculement élevés pour des recueils comme Sex A Gogo (1969) Faces of Love (1972) ou la compilation Sanne Sannes (1937-1967). Voir ici une dizaine des photographies de Sanne Sannes.

Peu avant sa mort, Sanne Sannes avait commencé le montage d'un court-métrage expérimental de 19 minutes : Dirty Girl. Apparemment inachevé, Dirty Girl a été produit par la télévision publique hollandaise VPRO. Dirty Girl est un montage de photographies filmées plus ou moins en gros plans. L'histoire ? Une femme mariée et rangée imagine sa vie si elle avait été mannequin, prostituée ou meurtrière. Une rêverie poétique et obscure, surtout quand on ne comprend pas les commentaires en néerlandais.

Les premières minutes de Dirty Girl, jusqu'au mariage de l'héroïne.

Jean Parvulesco - Les mystères de la villa Atlantis (1990)

2011-03-25T18:41:00.017+01:00

Dans Les mystères de la villa Atlantis, Jean Parvulesco publie le journal intime/roman complet de Jean Raimondi, subitement disparu à Deauville le 14 septembre 1980, fête de l'Élévation de la Croix. Disparu, semble-t-il, vers les "Indes Noires".

Les Mystères de la villa Atlantis offrent une fameuse distribution. Parmi les personnages du roman, on trouve Jacques Bergier, Barbet Schroeder, Bulle Ogier, Frédéric Pardo, Philippe Garrel, "à la veille précisément de reprendre le tournage de son étrange Berceau de cristal, Jean-Pierre Rassam, Claude Sautet, Éric Rohmer, Jean-Pierre Mocky, Robert Bresson, Daniel Schmid, Pascal Jardin, Alain Ravennes, Philippe Sollers, Ezra Pound et François Mitterrand. Le roman est également parsemé de nombreuses citations des Évangiles, de Plotin, Ernst Jünger, Gérard de Nerval, Thérèse d'Avila, Sainte Thérèse de Lisieux, Gustave Meyrink, Eliphas Levi, Raymond Abellio, Jean-Jacques Schuhl, Dominique de Roux (forcément), Norman Spinrad, H.P. Lovecraft et Martin Heidegger. Heidegger ? "Non point le philosophe, mais le haut visionnaire qui, après l'échec de Sein und Zeit, n'a plus arrêté de s'enfoncer, comme extatiquement, dans les ténèbres ardentes de la poésie, de la plus grande poésie et des sous-bois hantés de celle-ci, par où, qui sait, parfois, l'être scintille encore dans ses traces, dans ses haleines et ses fruits sauvages".

Jean Parvulesco et Ezra Pound dans les années 1970 à l'aéroport d'Orly.

Le roman débute à la librairie du Drugstore Publicis, à l'Étoile, à Paris, sur une évocation d'Approches, drogues et ivresse d'Ernst Jünger, et se termine dans le même Drugstore, par une discussion entre Jean Raimondi et Jacques Bergier, sur l'appartenance prétendue du même Ernst Jünger à la Consultante Schwarzenberg, une société nihiliste, égrégore paramaçonnique issu de groupes occultistes d'engagement bouddhiste tibétain. Entre ces deux événements fondamentaux, le lecteur se retrouve plongé dans le journal intime/roman de Jean Raimondi, dans une quête métapolitique et érotico-mystique de l'avènement du Grand-Continent Eurasiatique. Du Jean Parvulesco pur jus. A la fin de son journal, Jean Raimondi explique sa mission finale :

"J'ébauche déjà le plan de ma propre expédition secrète au Harrar, et plus loin que tout Harrar rimbaldien, vers les "Indes Noires" de l'Être blanc et noir entrevu par Nerval quand il avouait que cette nuit-là, pour lui, la nuit sera "blanche et noire", vers l'Antarctique en suprême auto-blanchissement à laquelle était venue aboutir la fugue ontologique d'Arthur Gordom Pym".

Claude Sautet © Les Grands Films Classiques / François Darras.

Tout comme Frédéric Pardo et Barbet Schroeder, Claude Sautet est l'une des personnalités secondaires - en réalité primordiales - du roman. Jean Raimondi - Jean Parvulesco - se fend d'ailleurs d'un vibrant hommage de plusieurs pages sur le cinéma de Claude Sautet, "génialement bâti comme une interrogation à peine dissimulée sur ce que l'on pourrait appeler, avec les mots pourissants d'aujourd'hui, l'impossibilité du mariage" :

Comme dans le livre de Malcolm Lowry, la vraie vie, la vie encore et toujours vivante de Claude Sautet ne se passe qu'"au-dessous du volcan", dans la fournaise occulte de ce qui s'interdit de connaître l'interdit et la honte des choses qui se donnent à voir sous le jour de leur propre impuissance, des chemins sans retour de l'oubli de l'être. La profonde, l'irrémédiable, la vertigineuse et si bele tristesse du cinéma de Claude Sautet est la tristesse même de l'existence séparée, de l'existence ayant perdu jusqu'au souvenir même du Yihud et du souvenir sans souvenir de ses chairs vivantes et adorantes.

Autre moment alléchant, le réveillon 1979-1980 chez Alain Ravennes, en compagnie de Robert Bresson et Philippe Sollers :

A minuit, Philippe Sollers met le feu, et brûle, dans un plateau d'argent, et quelle délicieuse flambée bleuâtre, diabolique, une épaisse liasse de billets de 500 francs, "pour humilier, rabaisser, injurier le Veau d'Or dans ses matières mêmes, pour, l'espace d'un instant, rompre la chaîne".

Jean Parvulesco.

Jean Parvulesco profite de ce roman pour donner, une fois de plus, son idéologie du roman occidental. Attention, il s'agit d'une seule et même phrase :

Je suis persuadé que tout grand roman ne saurait parler de rien d'autre que du secret même du roman, du dévoilement tour à tour conçut suivant la plus extrême, la plus brutale des violences et, aussi, et en même temps peut-être, tout à fait virginalement, j'entends le dévoilement à n'en plus finir du secret du roman en tant qu'essence même du roman, tout roman n'étant en vérité que le roman de la naissance éternelle du roman, du seul roman, ou, plus clairement, plus tragiquement dit de la Seule Romance, dévoilement de l'être intérieur, de la forme intérieure du roman, de sa forme absolument occulte, du roman dans ses gouffres mêmes, et je parle au singulier - je dis le roman - parce que tous les romans occidentaux ne font qu'un seul roman, mouvement indéfiniment repris de sa propre forme première et celle-ci ayant virginalement émergé avec le roman - la romance - du Cycle Arthurien, où la Reine Guenièvre est Marie - c'est bien ce que j'appelle la forme absolument occulte du roman - et toutes ses Dames de Compagnie ne sont que ses remplaçantes existentielles, conduisant, toutes, suivant la mise en structure sérielle de leurs noms voilés, de leurs souffles, de leurs corps appelés à l'œuvre, de l'entaille et de la fournaise philosophiques de leurs sexes à la fois éperdument scellés, éperdument entrouverts et utiles, conduisant, dis-je, toutes, vers le Lieu Unique en Marie, où "veille le Graal", l'être même de l'Unique et son Reflet, ce Reflet étant Marie et leur rapprochement, lui, la Romance, la Seule Romance.

Voir également :
Nicolas Bonnal et Jean Parvulesco
Dominique de Roux par Jean Parvulesco
Jean Parvulesco - Rapport secret à la nonciature (1995)

Juraj Jakubisko - Les Années du Christ (1967)

2011-03-18T18:47:00.009+01:00

Les Années du Christ (Kristove Roky) est le premier long métrage de Juraj Jakubisko, cinéaste slovaque tout juste diplômé de l'École du cinéma tchèque (FAMU). Ce premier film a été récompensé par douze prix et distinctions dont le prix Josef von Sternberg au Festival du film international de Mannheim-Heidelberg. Avec un ton loufoque et anticonformiste, Juraj Jakubisko narre les péripéties existentielles de Juraj, un peintre bohème et homme à femmes, qui doute de son talent et du sens de la vie. Juraj fait la connaissance d'une autre peintre, Jana (délicieuse Jana Stehnova, avec des faux airs d'Anna Karina), ce qui donne lieu à un amour dilettante - ou un amour qui ne dit pas son nom.

Andrej et Juraj : une histoire de flingue.

Ça boit pas mal dans Les Années du Christ, même dès le matin.

Jana Stehnova.

Arrive bientôt le frère de Juraj, Andrej, officier de l'armée de l'air, marié, père de famille et apparemment sûr du sens de sa vie et de sa carrière militaire. En plaisantant, Juraj propose à Andrej de courtiser Jana, ce qu'étant jeunes, il faisait souvent. Andrej y parvient et Jana, bien que consciente du mal qu'elle fait à Juraj, ne veut pas renoncer à Andrej. Jusqu'au dénouement tragique du film.

Une femme nue et des vinyles... que demande le peuple ?

Andrej et Juraj. Dernière beuverie avant le départ.

Les Années du Christ est l'illustration de l'influence de la Nouvelle Vague française sur le cinéma tchécoslovaque : on passe du néoréalisme à l'individualisme, de la narration à la représentation du vécu, du système de grande production à la production indépendante fauchée et au cinéma d'auteur. Dans son ouvrage History of the cinema (from its origin to 1970), le britannique Eric Rhode analyse :

"Les cinéastes des pays d'Europe de l'Est ont développé les idées de Godard avec beaucoup plus d'invention et d'imagination que leurs contemporains occidentaux, qui eux sont tombés dans dans l'imitation de la poétique de la nouvelle vague sans en comprendre le sens, ou se sont perdus dans les ténèbres."

Un mouvement libérateur, dans le fond et la forme, qui prendra fin peu après la révolte manquée du Printemps de Prague, en1968. Signe des temps, Juraj Jakubisko subira la censure en 1969 avec Déserteurs et nomades, puis en 1970, avec Au revoir en enfer, mes amis, qui ne sortira sur les écrans qu'en 1990. Entre temps, il réalisera des courts métrages (dont Bubeník Cerveného Kríza en 1977), des documentaires et des productions pour la télévision.

Début des Années du Christ.

Mojzesz Towbin - Les Matryrs de Pologne (1908)

2011-03-16T22:02:00.005+01:00

Les Martyrs de Pologne (Pruska Kultura) de Mojzesz Towbin est le film polonais le plus ancien qu'on ait conservé. La bobine a été retrouvée à Paris en 2000 par les professeurs Magorzata et Marek Hendrykowski, puis restaurée par les Archives Cinématographiques de Paris. Le film dure huit minutes. La qualité est plutôt bonne à l'exception de la dernière scène, où les images sont quelque peu endommagées. La mise en scène est sommaire comme dans la plupart des films de l'époque. La caméra statique filme en plans larges chaque scène, façon théâtre.

Le propos, politique, est un témoignage de l'oppression des Polonais par les Allemands, plus précisément de la "germanisation" des écoliers polonais. A l'époque, la Pologne était en effet partagée entre les empires allemand et russe et l'Autriche-Hongrie. Les Martyrs de Pologne film largement nationaliste, avait d'ailleurs été censuré par l'Empereur Guillaume II, c'est pourquoi Mojzesz Towbin avait décidé de le montrer à Moscou, en Italie et en France. D'où la redécouverte du film à Paris en 2000.

Mojzesz Towbin - Les Martyrs de Pologne (1908).

Evgueny Bauer - Les Enfants du siècle (1915)

2011-03-12T11:14:00.011+01:00

En 1915, Evgueny Bauer réalise le drame bourgeois Les Enfants du siècle (Deti Veka). Maria Nicolaevna, épouse d'un modeste employé de banque, mène une existence paisible avec son mari et son bébé. Elle retrouve par hasard une amie d'enfance, Lidia, qui, ayant hérité de la fortune de son époux, l'initie aux plaisirs d'une vie luxueuse et mondaine. Maria fait connaissance par son intermédiaire de Lebedev, un homme aussi riche qu'influent. Fortement épris de Maria, ce dernier décide de faire la cour à la jeune femme. Comme Maria refuse de céder à ses avances, Lebedev fait licencier son mari de la banque. Maria n'hésite pas longtemps à choisir entre vivre avec un chômeur ou avec un riche banquier. La mari trompé se suicide.

Petite sauterie entre aristocrates.

Les décors raffinés qu'affectionnaient particulièrement Evgueny Bauer.

Encore un bel intérieur.

Le suicide façon russe : se brûler la cervelle.

Evgueny Bauer est, avec Yakov Protozanov, l'un des cinéastes les plus importants de la Russie tsariste. Il mourut malheureusement d'une pneumonie en 1917. Il a abordé de nombreux genres : la comédie, le drame bourgeois, la farce grivoise, le policier et le film patriotique (notamment au début de la guerre de 1914). Les films d'Evgueny Bauer sont reconnaissables par leurs plans séquences, les décors raffinés et les costumes sophistiqués des acteurs. Le réalisateur Vladimir Gardine disait de Bauer :

Ses décorations fantastiques s'harmonisaient surtout pour eux dont les yeux étaient déjà blasés. Il choisissait ses acteurs en fonction de ses colonnades, de ses aristocrates, de ses boudoirs délicieux. Il n'attendait guère de ses acteurs des émotions vécues exprimées très profondément, il éliminait tout ce qui pouvait défigurer la beauté représentative de ses films.

La femme pécheresse se laissera-t-elle séduire par le riche banquier ?

Et la femme devint adultère sur la banquette d'une calèche.

Dans le tome 4 de son Histoire générale du cinéma, Georges Sadoul ajoute :

Quel que fussent son esthétisme décadent, son goût excessif de la forme, son raffinement maladif, son goût du mélodrame, Bauer eut le mérite d'être le premier artiste conscient dans le cinéma russe (et mondial). Il fit porter ses recherches sur la plastique, la décoration, une présentation soignée, une composition raffinée de ses tableaux, une arabesque s'harmonisant avec le rythme du mouvement de ses acteurs. Ses films furent de la peinture en mouvement, et par là il fut un novateur dont l'influence restera profonde pendant longtemps, dans le domaine qui fut essentiellement le sien, celui de la forme et de la technique.

Petite scène de séduction à la russe. Succès non garanti.

Marc Questin et Alain Pacadis - Les Calices de Bali (1974)

2011-03-11T18:52:00.013+01:00

Le blog Les Carrefours de l'Étrange a mis en ligne les scans complets d'une plaquette confidentielle : un recueil poétique d'une trentaine de pages de Marc Questin, Les Calices Bali, publié en 1974. Dans l'air du temps seventies plus porté sur le Velvet Underground et William Burroughs que sur le patchouli et les disques de Pink Floyd, Marc Questin livre une poésie fortement influencée par celle de Michel Bulteau, Matthieu Messagier, Patrick Geoffrois et consorts, c'est-à-dire le petit groupe de junkies nervaliens, auteurs du recueil collectif Le Manifeste électrique aux paupières de jupe en 1971 (l'édition originale se monnaie cher aujourd'hui - on la trouvait à 40 euros il y a 5 ans - 300 euros maintenant- mais qui est intégralement disponible dans l'anthologie Précis de dynamitage).

La fièvre amphétaminée et opiacée du New York du Lower East Side warholien et de l'ambiance pré-punk y sont très présentes. Les chemises drapées et les vestes en velours côtoient les vestes en cuirs et la cravate-garrot. Arthur Rimbaud, Jean Lorrain, William Burroughs et Lou Reed sont réunis dans un même maelström de stupre fitzgeraldien, de visions oraculaires et de délires opiacés. Le recueil de Marc Questin s'ouvre par le poème "ETHER / ETERNITE" dont voici les premières strophes :

Blood Velvet of Satin
Jupes Bleues Intra-Veineuses
Bain de Minuit Lunaire
Étire son Corps Félin
L'Air Liquide Transparence
Deux Corps Pâles s'Agglutinent
Palfium & Codéine
Sa Main Grise Éclatée
Syd Barret / John Cale
Frondaisons d'Or Marquis
Lumière Bleutée Liquide
Flashs Éclairs Miroirs

Overdose Diamant / Veine
Dans les Kimonos Verts de Fourrures Glacées
Vertèbres Malcolm Lowry
Flashs Nuits de Satin
Lexington Station
Évanouie aux Quincey des Multiples Splendeurs
Glisse dans l'Eau Limpide d'un Nuage de Fumée Bleue
Voile d'Etain Poignets Verts
Your Body de Velours Suspendu dans l'Air Vide
Alcool de Rubis
Gestes Ardents de la Foudre
Clouée au Bleu du Ciel
Aussi Blanche que l'Amour la Buée Fraiche de tes Lèvres
Dans le Luxe d'AXEL
Fièvres Rares de Crystal
Sous la Pluie Pas à Pas Nos Doigts Bleus S'Etreignant

Illustration des Calices de Bali : toute la provocation punk et les délires californiens
de Charles Manson / Bobby Beausoleil sont au rendez-vous.

Et ça continue comme ça pendant plusieurs pages. Cela sonne vraiment comme un pastiche des recueils de Michel Bulteau. Peu importe. Alain Pacadis, chroniqueur à Libération, obsédé par Berlin de Lou Reed et par le Velvet Underground en général, a signé la préface du recueil de Marc Questin. On y trouve les références habituelles (mais qui ne l'étaient pas à l'époque) au Velvet Undergound, aux Flaming Groovies, à "Rock and Roll Suicide" de David Bowie", à Marylin Monroe, à Jean Lorrain et au mouvement pré-punk. On ne peut d'ailleurs que recommander la lecture d'Un Jeune homme Chic (journal intime sur la naissance du mouvement punk en France) et de Nightclubbing (recueil de chroniques publiées sur Libération entre 1973 et 1986 - journal qui n'était pas le torchon qu'il est maintenant). La préface d'Alain Pacadis s'intitule "Paris Vamp Bleue", elle est reproduite ici intégralement.

Aujourd'hui dans cette vieille Europe, la Nostalgie de l'Age d'Or devient obsessionnelle pour quelques âmes rares et sophistiquées. En quête d'un Impossible Rêve, au creux des boas mauves et des chats angoras, la blonde troublante et platinée sirote un Cognac pour le reste de la Nuit. A l'heure du thé au "Horse", vêtue de flanelle blanche, ses rubis diaphanes comme des perles de sang éjaculées d'une seringue. Dans cette Riviéra nacrée de talent pourpre et de promenade en fiacre, toute Vie un peu Étrange était Vouée au Sublime : "La Sophistication, le goût de la Parure, transforment certains êtres décadents en personnages scéniques, en Intouchables, ceci en hommage au ciel, à la terre, à la rue." Sous l'effet de cette éblouissante piqûre de joie, Paris resourira avant de continuer sa lente et sinistre Agonie.

Délire électrique par une chaude nuit d'été. Le vert est un comme un dollar d'émeraude roulé pour un sniff, le rouge comme le sang, le noir comme les cuirs luisants se reflétant dans des taches d'huile. White light, le soleil brûle dans le désert. La fumée a jeté un voile opaque devant mes yeux, le temps a pris une cigarette / suces un doigt, puis l'autre. Et puis un demi-Mandrax dans le bazar pour avoir des fourmi dans les doigts. J'ai acheté un badge avec une tête de mort pour mettre en sticker sur mon blouson noir, la révolution psychédélique est finie... Back to teenage head ! Espace illimité, coucher de soleil, pleine lune et voiture américaine avec la stéréo K7 et frigidaire incorporé et puis une bière glacée dans le désert, oh you know I am not as strong !/...

Et il y eut un jour et il y eut une nuit. White heat. Mon blouson est plus noir que la nuit et des étoiles brillent dans le ciel ; "Stars Stars" - L'ombre de Marilyn plane sur l'Afghanistan : elle porte des bijoux afghans et un sari indien. Turquoises are the girls best friends. Je me souviens je me souviens une lueur blanche de plus en plus intense et puis un flash. Le train file à cent à l'heure à travers la campagne, la ville est endormie, les beaux métal Kids croisent les dealers les travlos et les junks en manque. Istambul dort, Mashad s'éveille / ... Une Bentley passe devant l'hôtel conduite par une panthère électrique. Costume de flanelle beige et voiture de sport, et toujours cette même musique, le vrombissement des guitares, les riffs saccadés, et les amplis saturés jusqu'à ce que ma tête explose / ..... L'ange aux cheveux blonds s'enfonce vers le ciel à la recherche du MAL dans une vertigineuse descente.

Lire le recueil intégral au Carrefour de l'Étrange.

Bostjan Hladnik - La danse sous la pluie (1961)

2011-03-09T20:37:00.008+01:00

Bosjan Hladnik, réalisateur slovène (1929-2006), a d'abord étudié à l'Académie du théâtre, du film et de la radio (AGRFT) de Lubljana avant de tourner des courts-métrages et de séjourner à Paris à la fin des années 1950. Il est alors en contact avec plusieurs personnalités de la Nouvelle Vague naissante dont Claude Chabrol et Philippe de Broca. En 1961, il réalise La danse sous la pluie (Ples v dežju), un film d'inspiration surréaliste qui fait la part belle au rêve, comme dans les films de Luis Buñuel et les livres de Raymond Roussel. Le film est d'ailleurs inspiré d'un roman de Dominik Smole, considéré comme un des plus grands auteurs slovènes modernes.

L'histoire est somme toute très simple : Peter, professeur des écoles, peintre à ses heures perdues, est un homme taciturne qui vit chichement et rêve de la femme idéale, tout en vivant une relation chaotique avec une femme tout aussi banale et plus vieille que lui, comédienne ratée, Marusa. Le couple vit séparément et se rencontre seulement pour les éléments essentiels d'une relation (manger, boire, fumer, baiser, se disputer). Tous les deux n'ont qu'une échappatoire à leur vie médiocre : la fuite dans les rêves et les fantasmes.

Scène de rêve : Peter en pyjama dans un rue, en pleine nuit, au milieu d'une procession de cercueils.

Marusa, une femme de tous les jours.

Le film, en noir et blanc, illustre les talents de Bostjan Hladnik pour la mise en scène, notamment dans le passage fluide entre le rêve et la réalité. Malgré les nombreuses scènes prosaïques témoignant du désœuvrement économique et affectif des personnages principaux, Hladnik introduit une touche d'érotisme qui permet au spectateur de respirer un peu. Dans la suite de sa carrière, Bojstan Hladnik réalisera d'autres films plus marqués par l'érotisme : Erotikon (1963) et Maskarada (1971).

Ci-dessous, une scène où Peter se remémore une scène de son enfance : le jour il a surpris une prostituée se vendre à un client.

Nieuwenhuijs et Seyferth - Venus in Furs (1995)

2011-03-05T12:05:00.016+01:00

Venus in Furs, la Vénus à la fourrure. Livre bien connu de Leopold Ritter von Sacher-Masoch. Une histoire de domination sexuelle bien connue. Tellement connue que l'auteur a donné son son nom à la pratique du masochisme. Un terreau bien fécond qui a engendré une des meilleures chansons du Velvet Underground, un film de Jess Franco (qui n'a d'ailleurs rien à voir avec l'œuvre de Sacher-Masoch) et un film moins connu des néerlandais Maartje Seyferth et Victor Nieuwenhuijs.

Une chose est sure, c'est que le Lou Reed et le Velvet Underground ont vampirisé l'œuvre de Sacher-Masoch et qu'à chaque fois que ce dernier sera cité, viendront en tête les paroles de la chanson "Venus in Furs", lacérée par le violon de John Cale, comme le corps humain peut être lacéré par les coups de fouet. Leçon musicale et éthique.

Shiny, shiny, shiny boots of leather
Whiplash girlchild in the dark
Comes in bells, your servant, don't forsake him
Strike, dear mistress, and cure his heart

Que dire de Venus in Furs de Victor Nieuwenhuijs et Maartje Seyferth ? Pas un mauvais film mais qui tourne en rond au bout de 30 minutes (le film dure 65 minutes). Les réalisateurs ont privilégié le côté esthétique au scénario. Dans un noir et blanc et des décors superbes, le film narre la soumission de Severin (André Arend van de Noord) à Wanda (Julia Braams). Mais le film est très vite vide de substance. Les décors et la beauté des acteurs ne font pas un film. Et pourtant les acteurs (au nombre de quatre) sont très beaux (André van de Noord fait penser à Joe D'Allesandro, Julia Braams a les seins lourds superbes), les décors sont sublimes (château vide et gigantesque). Mais la magie n'opère pas. On attend toujours l'adaptation ultime de l'œuvre de Sacher-Masoch. Pour se consoler, on a les livres et le Velvet Underground.

Bande-annonce de Venus in Furs de Niewenhuijs et Seyferth.

Takashi Miike - Zebraman 2 (2010)

2011-03-04T21:06:00.010+01:00

C'est pénible d'assister à la mort lente d'un grand réalisateur. C'est à peu près ce qui se passe avec Takashi Miike depuis, au choix, 2003, 2004 ou 2005. Pour faire simple, cet excellent réalisateur n'a pas vraiment sévi positivement sur la toile blanche depuis presque dix ans. Ce qui, pour Takashi Miike, stakhanoviste de la pellicule, correspond au moins à une vingtaine de longs métrages. Depuis 2003, Miike a alterné de très bons films (Gozu et La mort en ligne), un ofni (Izo), des films moyens (Sukiyaki Western Django, God's Puzzle et Yatterman), des téléfilms (Detective Story) et des catastrophes lucratives (Crow Zero 1 et 2, merdes ultimes dans lesquelles même Klaus Kinski n'aurait pas accepté de jouer). Zebraman 2 se situe dans la lignée des films moyens... mais comme Miike est un cinéaste de renom, on dira que Zebraman 2 est un mauvais film.

La Zebra Police sexy : très fasciste et très zeitgeist.

Oui, c'est vraiment pénible de dire du mal de Miike tant il a fait rêver avec son chef-d'œuvre Bird People in China (1998), découvert en retard en Occident, avec ses polars vitaminés junkies, violents et scatologiques (la trilogie Shinjuku), ses délires oniriques (Dead or Alive 2) et sa parodie d'ultra-violence (Ichi the Killer). Autant de films superbes réalisés en moins de 10 ans, dans une frénésie créative, qu'on jurerait sous laudanum et sous méthédrine. Depuis cet âge d'or, Miike, qui tourne, il est vrai, sans cesse (malgré un léger calme ces trois dernières années), s'est usé, et a, semble-t-il, tourné le dos aux films de yakuzas et d'extrême violence surréaliste.

Zebra Queen en voie de "pétassisation". Alain Soral appréciera.

En 2010, il y a donc Zebraman 2, suite de Zebraman (2004), histoire parodique de super-héros en plein Tokyo, renommé "Zebra City". L'histoire ? En 2010, le sauveur de l'humanité des attaques extra-terrestres, Zebraman, est capturé par des êtres malfaisants. Il se réveille en 2025, le cerveau lavé et la ville transformée : deux fois par jour, pendant cinq minutes, l'anarchie la plus totale peut régner dans la ville (meurtres arbitraires, viols. bombes au phosphore). S'ensuit étrangement (ou pas), une baisse de la criminalité de 50 % : l'histoire de la dualité entre le bien et le mal. Du mal, qui, permis dix minutes par jour, entraîne un défouloir maitrisé et impuni sur les plus faibles. Toute allusion au conflit israélo-palestinien est évidemment fortuite.

Luttez contre le SIDA grâce à Zebraman. CQFD.

Au final, Zebraman 2 est un film bien soporifique, avec, bien sûr, trois ou quatre scènes dignes de Takashi Miike. Ce qui reste court pour l'amateur du nippon fou. Et on craint pour la suite de son œuvre, qui relève plus de la commande de bureau que de l'intérêt artistique (13 Assassins, à suivre).

Petit extrait de Zebraman 2 : pastiche des clips salaces de Christina Aguilera.

Juraj Jakubisko - Bubeník Cerveného Kríza (1977)

2011-02-27T11:33:00.008+01:00

Juraj Jakubisko est le cinéaste slovaque le plus célèbre, bien que son œuvre soit largement méconnue en France. Surnommé un temps le "Fellini de l'Europe de l'Est" (même si Jakubisko lui-même cite plutôt l'influence d'Antonioni), Juraj Jakubisko est diplômé de l'École du Cinéma Tchèque (FAMU). Après avoir réalisé des films acclamés comme Les Années du Christ (1967), Jakubisko rencontre bientôt la censure, cette odieuse censure communiste de la Tchécoslovaquie des années 1970, qui vit alors ses "années de plomb" après l'échec du Printemps de Prague et le durcissement de l'État criminel marxiste-léniniste, usant allègrement d'intimidation et de répression, spoliant et assassinant à l'envi. En 1969, son film Déserteurs et nomades est donc interdit par les autorités.

Pendant près de 10 ans, Jakubisko ne pourra tourner qu'une poignée de courts métrages, dont Bubenik Cerveného Kriza (Le Joueur de tambour de la Croix Rouge, en français). Bubenik Cerveného Kriza, long de 13 minutes, est une critique de la guerre, vue du point de vue des enfants. Un enfant né sous les bombes, ses parents sont tués. Orphelin, il est recueilli, comme d'autres enfants, dans un orphelinat. Malgré les avantages de l'orphelinat (lit, couverts et éducation), les enfants ne peuvent s'empêcher de penser à leurs parents morts et de les idéaliser. Tous rêvent du joueur de tambour de la Croix Rouge.

Bubenik Cerveného Kriza est visuellement très réussi. Jaruj Jakubisko utilise de nombreux filtres monochromes, technique propice à l'onirisme, utilisée dans les premiers films muets mais également dans Pierrot le Fou de Jean-Luc Godard (1965) ou Throw Away Your Books, Rally in the Streets de Shuji Terayama (1971).

Début de Bubenik Cerveného Kriza.

Jean Rollin - La Comtesse Ixe (1976)

2011-02-21T21:17:00.011+01:00

Jean Rollin, qui nous a quittés en décembre 2010, est une légende du cinéma de genre français. On le connaît surtout pour ses films de vampires, alliant érotisme, fantastique et onirisme. Des films d'auteur fauchés, parfois involontairement hilarants. Ce qui est moins connu, c'est que Jean Rollin a réalisé des films pornographiques, dans un but strictement alimentaire. Entre 1974 et 1983, il a ainsi réalisé plus de 20 films pornographiques, la plupart du temps sous le pseudonyme de Michel Gentil. Les titres sont à la fois très drôles et très éloquents : Tout le monde il en a deux (1974), Lèvres entrouvertes pour sexe chaud (1977) ou Remplissez-moi les trois trous (1978) ! On y retrouve généralement la fine équipe du porno gaulois des années 1970.

Jean-Pierre Bouyxou : assistant réalisateur... et acteur !

Michel Gentil alias Jean Rollin !

Dans La Comtesse Ixe, on retrouve donc deux des acteurs masculins les plus célèbres de l'époque : Alban Ceray et Guy Royer. Côté féminin, la distribution est moins prestigieuse mais on y trouve la fameuse Karine Gambier, qui a notamment joué dans quatre films de Jess Franco ! A noter enfin la présence de Jean-Pierre Bouyxou (expert du cinéma de genre), dans le rôle (sans scène "adulte") d'Arsène Bouyxou, gentleman cambrioleur.

Une fine équipe !

Rachel Mhas : voleuse et fausse comtesse.

Le scénario est très simple : un "baron" (Alban Ceray) organise une soirée privée, à laquelle est conviée la mystérieuse Comtesse Ixe. Cependant, l'invitation adressée à la Comtesse est interceptée par une femme masquée et costumée façon Irma Vep (Rachel Mhas). Cette dernière s'invite donc à la soirée (qui a bizarrement lieu en plein jour) en prenant l'identité de la Comtesse Ixe. Son but : détrousser les invités. Sa méthode : verser un liquide aphrodisiaque dans le champagne et commettre ses larcins pendant les ébats (collectifs) des invités. De façon totalement incohérente, la véritable Comtesse Ixe (Karine Gambier) apparaît bientôt : "je n'ai pas reçu d'invitation mais je suis venu quand même !". Pour enfoncer le clou, en plus d'être incohérent, le film est ennuyeux, les scènes mal filmées, les acteurs limités et les dialogues consternants. On imagine La Comtesse Ixe tournée en moins deux jours, bien sûr.

Karine Gambier restera habillée moins de trente secondes !

Interrogé par Nanarland.com, Jean Rollin explique l'ambiance de l'époque, sans cacher qu'il savait très bien que l'"on faisait de la merde" :

Quand on en est venus à la période X, le film ne comptait plus du tout. Ce qui comptait, c'était le tournage, c'était de prendre un plaisir qui existait à tourner avec des gens sympathiques, qui n'étaient pas du milieu du cinéma, mais du milieu de l'érotisme. Je dois dire qu'on avait constitué une petite équipe extrêmement sympa et on se retrouvait avec grand plaisir. Je me souviens qu'à la fin d'un tournage où l'on avait fait deux films X l'un derrière l'autre, avec les mêmes acteurs, qui avait duré cinq jours dans une maison près de Courtenay : tout le monde pleurait. C'était très particulier comme ambiance, il y avait vraiment une amitié solide entre tous les gens qui participaient à ça. C'était un vrai plaisir. On faisait de la merde, on le savait bien, mais c'était un plaisir. On se retrouvait ensemble, c'était un petit peu comme une famille. J'irais même jusqu'à dire que c'était un petit peu boy-scout comme ambiance !

Le début du film. Pour terminer sur une note positive, accordons que la musique jazz de La Comtesse Ixe est très sympathique :

Akio Jissoji - Mandala (1971)

2011-02-19T18:24:00.013+01:00

Mandala est le deuxième film de la trilogie bouddhiste d'Akio Jissoji. Trilogie qui n'est pas vraiment bouddhiste, d'ailleurs. Akio Jissoji a plutôt réalisé une trilogie sur la croyance et ses dérives. Le moins qu'on puisse dire, c'est que le réalisateur expérimente à loisir et qu'il est difficilement possible de faire le lien entre Mandala et Uta, troisième film de trilogie. Qui pourrait objectivement dire qu'il s'agit de l'œuvre du même cinéaste ? Si Uta est un film complètement janséniste en noir et blanc (pour les occidentaux), Mandala est un film très expérimental. En couleur et en noir et blanc. Un vrai trip qui redéfinit le cinéma, tout comme Persona d'Ingmar Bergman et Purgatoire Eroïca de Kiju Yoshida. La mise en scène va complètement à rebours des préceptes, avec des plans décentrés et des travelings venus d'ailleurs. Un étonnement permanent.

L'histoire est à la fois simple et difficile à raconter. C'est comme du Marivaux sadien. Deux couples passent leurs vacances dans un château et s'initie à l'échangisme. Ce qu'ils ne savent pas, c'est que toutes leurs actions sont filmées et décortiquées par le "maître" du château, un illuminé qui veut constituer une communauté. Cette communauté est régie par des règles très simples : le sexe libre et l'agriculture. On pense évidemment aux sociétés rêvées par Fourier, Saint-Simon... et Sade. Mandala est très sadien : la communauté est retirée dans un château éloigné de l'humanité, le dogme prône le viol et le partage des femmes. Pour être clair, il s'agit d'une secte.

L'intrigue arrive quand un des couples (après un viol sur la plage, mais pourquoi l'expliquer) décide de son plein grès de rejoindre la secte et de vivre en communauté. Le mot d'ordre : "Arrêtez le temps = Arrêtez la mort". La communauté fait penser à l'abbaye de Thélème d'Alesteir Crowley et aux lieux sadiens, complètement retirés du reste de l'humanité. Le maître des lieux est très clair : ni enfant ni jouissance sexuelle et un malthusianisme impitoyable.

En 1971, Mandala est un ovni cinématographique. Même si c'est sûrement le film le plus "dynamique" de sa trilogie bouddhiste (les fans de Steven Steagal apprécieront trois minutes), le film est aujourd'hui un incontournable du film de secte. On pense à Love Exposure de l'excellent Sono Sion

L'appétit d'Akio Jissoji pour Sade est bien connu, voir Les Prospérités du vice du marquis de Sade (1988).

Bande-annonce de Mandala :

Frédéric Pardo - Home movie, autour du Lit de la vierge (1968)

2011-02-06T13:56:00.014+01:00

En avril 1968, au Festival du Jeune cinéma d'Hyères, un groupe de réalisateurs et d'acteurs décident de former le groupe "Zanzibar". Parmi ce groupe, on trouve le jeune cinéaste Philippe Garrel, le peintre Daniel Pommereulle, l'actrice Bernadette Lafont et le cinéaste Patrick Deval. De 1968 à 1970, financés par la mécène Sylvina Boissonnas, ils réaliseront une trentaine de films. Quelques semaines après les événements de mai 68, Philippe Garrel tourne dans la baie des Trépassés, dans le Finistère, Le Lit de la vierge, une parabole christique dénonçant le pouvoir de l'époque. Parmi les acteurs, on trouve Pierre Clémenti, Tina Aumont et Zouzou, soit une partie de "la bande de la Coupole" (des dandies branchés hippies, rock & roll, LSD et avant-garde).

Après le tournage finistérien, Philippe Garrel décide de tourner d'autres scènes à Marrakech, au Maroc, et à Grottaferrata, en Italie. Frédéric Pardo, ami de Philippe Garrel et amant de Tina Aumont, accompagne l'équipe, muni d'une caméra, et filme les coulisses du tournage : Home movie, autour du Lit de la vierge. On y voit Pierre Clémenti, Philippe Garrel, Jean-Pierre Kalfon, Valérie Lagrange, mais surtout Tina Aumont. L'actrice, qui vient de tourner aux côtés de Clémenti dans Partner de Bertolucci, est considérée comme une des plus belles femmes de l'époque. A juste titre. Sa beauté attire le coup d'œil. Et, comme toutes les jeunes femmes sérieuses, elle sait user à bon escient du khôl. Ce Home movie, d'une durée de 40 minutes, sonne finalement plus comme une ode à Tina Aumont qu'un documentaire sur le tournage du Lit de la vierge. On assiste tout de même à la préparation d'une des plus belles scènes du film, ainsi qu'à la destruction et à l'incendie d'un bus à deux étages (une scène filmée pour le film de Tinto Brass, L'Urlo).

Tina Aumont joua par la suite dans un autre film de Philippe de Garrel : Les Hautes solitudes, en 1974, aux côtés de Nico et Jean Seberg. Parmi ses autres apparitions mémorables, citons son rôle de "femme adultère" dans Le Messie de Roberto Rossellini, et son rôle d'amante dans Le Casanova de Fellini.

Alain Robbe-Grillet - La Belle captive (1983)

2011-02-05T14:13:00.015+01:00

Le film La Belle captive (1983) est une adaptation d'un roman d'Alain Robbe-Grillet paru en 1975 et titré d'après six tableaux peints par René Magritte entre 1931 et 1967, tous intitulés La Belle captive. En 1983, l'écrivain-cinéaste avait publié Djinn, son dernier roman avant La Reprise... en 2001 ! En homme libre et inventif, Alain Robbe-Grillet prend à son compte le polar, la conspiration politique, l'érotisme et le surréalisme pour créer un film non conventionnel. On peut ainsi affirmer que La Belle captive est au film d'espionnage ce que Trout Mask Replica de Captain Beefheart est à la musique blues.

Une des Belles captives de René Magritte.

Sara Zeitgeist et Walter.

Un soir, dans une discothèque, Walter, un agent secret, tombe sous le charme de la belle et provocatrice Marie-Ange van de Reeves. Alors que la belle disparaît bien vite, Walter part rencontrer sa supérieure, Sara Zeitgeist, qui le charge de donner un message urgent à Henri de Corinthe, un important home politique. En chemin, Walter découvre Marie-Ange van de Reeves étendue au milieu de la route, blessée et les mains liées. Il délaisse alors sa prime mission et se rend dans un manoir pour faire soigner la jeune femme blessée. Et le film part en vrille, nous entraînant dans un univers de recherche neuroscientifique sur fond de milice et de régime totalitaire.

Walter découvre Marie-Ange van de Reeves sur la route.

Marie-Ange van de Reeves (Gabrielle Lazure) habillée...

Marie-Ange van de Reeves (Gabrielle Lazure) nue.

Exécution sur la plage.

Comme toujours chez Alain-Robbe-Grillet, le montage du film est excellent. Moins érotique que Glissements progressifs du plaisir, La Belle captive est porté par de très bons acteurs : Daniel Mesguich en agent secret sous-delonien ; la belle et dominatrice Cyrielle Clair dans le rôle de Sara Zeitgeist ; la belle et perverse Gabrielle Lazure dans le rôle de Marie-Ange van de Reeves. Les second rôles sont parfois étonnant : on trouve Arielle Dombasle en femme hystérique, l'écrivain Roland Dubillard en savant fou, et Daniel Emilfork en flic avisé. Daniel Emilfork ! "Une sorte de gargouille vivante, un comédien qui aurait pu jouer Nosferatu sans maquillage", comme l'écrit Laurent Aknin dans Cinéma Bis. On ne saurait mieux dire !

Daniel Emilfork dans toute sa splendeur.

Arielle Dombasle en femme hystérique.

Extrait vidéo : Walter et Marie-Ange van de Reeves entrent dans un manoir pour chercher des secours. C'est à ce moment que le film tourne au glauque.

Jean Parvulesco - Rapport secret à la nonciature (1995)

2011-02-04T18:42:00.010+01:00

En 1995, Jean Parvulesco a publié un court récit de 120 pages, Rapport secret à la nonciature. Titre pour le moins énigmatique, qui n'étonnera pas l'amateur de Parvulesco, écrivain occulte, souterrain, clandestin, mystique et métapolitique. Rapport secret à la nonciature, autobiographie mi-réelle mi-rêvée (mais qui saurait démêler le réel du rêve ?) commence par l'emprisonnement de Jean Parvulesco dans l'actuelle Bosnie, dans un camp de travail de la Yougoslavie titiste. Sous le joug des communistes et de la police politique secrète (UDBA), Parvulesco creuse des tombes pour les fusillés.

L'impitoyable hiver de 1948, je me trouvais à l'ouvrage au camp de travail forcé desservant les mines de charbon de Litva-Banovici, près de Sarajevo, en Bosnie [...] Classé d'emblée parmi le petit groupe des politiques dits "absolument irrécupérables", je devais, outre le travail de la journée dans la mine, me livrer aussi, "à la tombée de la nuit", à certaines "obligations spéciales". Dont celle de mettre, au flanc de la colline aux fosses communes, les malheureux qui, de temps en temps, tentaient de s'évader du camp et qui, presque toujours, se faisaient reprendre et exécuter sur place ; ou les victimes de certains interrogatoires, parfois trop poussés, voire même des accès de rage paranoïaque des jeunes gardiens du camp, des "membres d'élite" des "jeunesses communistes" sous le commandement d'un officier des forces de sécurité de l'UDBA faisant, sur place, fonction de commissaire politique.

Jean Parvulesco, espiègle et mystérieux.

Lors de sa deuxième évasion, Jean Parvulesco assiste à des événements mystiques dignes de communions catholiques (à base de pains). Malheureusement pour lui, à Dubrovnik, alors qu'il tentait de s'échapper vers l'Italie, il se fait arrêter par la police titiste et retourne en camp de travail. La troisième évasion sera la bonne. Trente-cinq ans plus tard, en 1984, quelques mois après les apparitions mariales de Medjugorge, Jean Parvulesco, alors établi à Paris, se rend (clandestinement, bien sûr) sur les lieux où il fait une rencontre marial des plus troublantes, prélude à une révolution spirituelle. Mais rien ne se passe... Jusqu'en 1994, soit dix ans passés, Jean Parvulesco croise enfin un signe, une femme, qui lui révèle les prémices de "la Grande Déferlante du nouvel embrasement marial et christologique". Le livre se termine par une ode au Sacré-Cœur, sis dans le 18ème arrondissement de Paris.

Vous aviez bien raison de penser que certaines suites de Medjugorje allaient très nécessairement avoir lieu en France : il fallait que cela se fasse, mais cela ne s'est pas fait. Pourquoi ? A cause de certaines complicités, terrifiantes, des complicités dont on a pu voir qu'elles se trouvaient implantées jusque dans le camp même de la Foi l'inusable puissance de l'Ennemi est en effet parvenue à déjouer nos plans. Nos plans les plus secrets, impénétrables en profondeur. Cela, pour le moment. Mais c'est nous qui allons avoir le dernier mot, nous le savons d'avance. L'immense embrasement de la Foi renouvelée, de la Foi vivante et limpide, jeune, révolutionnaire, qui submergera l'Europe - l'Europe de l'Ouest et, ensuite, l'Europe de l'Est - et qui va s'étendre jusqu'aux ultimes confins du Grand Continent Eurasiatique, aura son épicentre déflagrationnel et sismique en France, et c'est bien à vous -même et à vos groupements spéciaux d'intervention et de présence spirituelle d'agissante que reviendra la tâche de régir, d'encadrer l'ensemble des vagues successives dont sera faite la Grande Déferlante du nouvel embrasement marial et christologique de ce monde-ci, et des mondes que l'on ne sait même pas voir mais qui n'en sont pas moins déjà concernés par la formidable bataille spirituelle en cours, la dernière bataille, la bataille fondamentale de nous autres [...]

L'épicentre occulte du salut se trouve donc en France, à Paris même : au cœur de Paris, à Montmartre, puisqu'il s'agit du Sacré-Cœur de Montmartre. Et nous voilà revenus à la conspiration du Sacré-Cœur, que ni vous ni moi nous n'avions un seul instant quittée...

Alain Robbe-Grillet - Glissements progressifs du plaisir (1974)

2011-01-30T15:39:00.019+01:00

On peut penser ce qu'on veut d'Alain Robbe-Grillet (1922-2008), une chose est certaine : il était meilleur cinéaste que romancier. Certes, Le Voyeur (1955) vaut son pesant de cacahuètes et témoigne des tics de l'auteur : goût pour les petites filles, les meurtres glauques, le viol et les "motifs récurrents" et "variations". Des variations qu'on peut constater dans L'Année dernière à Marienbad (1961) d'Alain Resnais, un film audacieux mais un peu chiant. Il est vrai que Robbe-Grillet avait seulement écrit le scénario et les dialogues. Quand le Brestois se met lui-même à la caméra, c'est autre chose.

Anicée Alvina et Olga Georges-Picot s'amusent.

Anicée Alvina et Olga Georges-Picot s'amusent encore.

Un des barreaux est scié.

Car si Alain Robbe-Grillet se commet dans un cinéma qu'on qualifie d' "expérimental" ou "d'avant-garde" (complètement à tort, d'ailleurs), un élément le sauve du préjugé de cinéaste ennuyeux : le sexe. Il est bien connu que Robbe-Grillet est un érotomane sans pareil, mâtiné d'un goût pour les poils pubiens, le sadomasochisme, le viol, les relations maître-esclave et la torture. C'est donc fort de cette érotomanie que Robbe-Grillet réalise ses films. Glissements progressifs du plaisir est son cinquième film. Un bon bijou esthétique, doté d'un titre superbe qui laisse rêveur.

Alain Robbe-Grillet ne sait plus à quel saint se vouer.

Alain Robbe-Grillet titille la libido du spectateur.

Le scénario est très sommaire : Alice (Anicée Alvina, ce nom sublime !), une brunette prostituée, est accusée du meurtre de Nora (Olga Georges-Picot), sa colocataire, également prostituée, "comme tout le monde aujourd'hui", précise-t-elle. Alice est arrêtée et passe ses jours dans une prison tenue par des religieux... et où les mœurs ne sont pas celles que l'on croit. Sur ce scénario bien mince, Alain Robbe-Grillet multiplie les scènes montrant de très belles femmes nues, parfois menottées et molestées, avec un certain sadisme mais un esthétisme certain. Les images sont superbes. Alain Robbe-Grillet a vraiment le sens du plan et du montage. C'est futé, très beau et jamais chiant. Pour faire bref, c'est l'exact contraire des films de Marguerite Duras, cette poivrote sans talent qui a sévit à la fois sur papier et sur écran.

Hans Bellmer est dans la place...

Anicée Alvina se peint le corps. Body painting.

Notons, dans Glissements progressifs du plaisir, la présence de deux grands acteurs français : Jean-Louis Trintignant et Michael Lonsdale. Trintignant dans le rôle du flic et Lonsdale dans le rôle du juge. Savoureux.

Alain Robbe-Grillet en action.

Jess Franco - La Comtesse perverse (1973)

2011-01-22T18:52:00.010+01:00

La Comtesse perverse : "le plus sophistiqué des films érotiques", selon une publicité du producteur du film, Robert de Nesle ! Ou l'art d'aguicher le public pour mieux le tromper... La Comtesse perverse n'a rien d'érotique... sauf si l'on regarde la version de 92 minutes qui contient quatre ou cinq inserts semi-pornographiques, ajoutés par le producteur, au grand dam de Jess Franco. D'ailleurs, au moins deux des inserts sont complètement sans rapport avec le reste du film ! Dans le premier, sans aucune cohérence avec la scène précédente et la scène suivante, Lina Romay fait l'amour avec un couple ligoté.. Dans le second, Alice Arno (la "comtesse perverse") fait l'amour à un type complètement inconnu. Hors sujet total. Sans ces inserts, le film ne dure guère plus de 72 minutes. Et c'est bien suffisant puisqu'il contient de nombreuses longueurs.

Lina Romay dans un des inserts semi-pornographiques.

Baiser furtif entre Alice Arno et Lina Romay.

La Comtesse perverse est inspiré de la nouvelle de Richard Connell, The Most Dangerous Game, déjà porté à l'écran en 1932 par Irving Pichel et Ernest B. Schoedsack (qui tournaient King Kong en même temps !). On peut y voir la délicieuse Fay Wray. Le film, connu en France, sous le titre de La Chasse du comte Zaroff, est visible intégralement ici. Au programme donc : chasse aux êtres humains et cannibalisme.

Howard Vernon, comte Zaroff et cuisinier à ses heures perdues.

Alice Arno, comtesse Zaroff, passe plus de temps nue qu'habillée !

Dans son film, Jess Franco laisse un peu de côté le comte Rader Zaroff (Howard Vernon) pour mettre en évidence la comtesse Ivanna Zaroff (Alice Arno). C'est typique de la part de Jess Franco de donner les rôles les plus importants à des femmes, surtout si elles sont belles et déshabillées, ce qui est effectivement le cas pour Alice Arno. Dans La Comtesse perverse, les époux Zaroff, habitant seuls sur une île, se paient les services d'un jeune couple, Tom et Moira (Robert Woods et Tania Busselier), pour leur trouver des filles, véritables gibiers humains, qui sera chassé à l'arc par la comtesse Ivanna Zaroff. Le gibier du jour n'est autre que la candide Sylvia (Lina Romay). Parviendra-t-elle à éviter les flèches mortelles de la comtesse et à ne pas finir en steak ?

Robert Woods : veste en denim et pantalon pattes d'eph' : très 1973.

Tania Busselier, toujours aussi charmante.

En 1998, Jess Franco réalisa une nouvelle version du film : Tender Flesh. Une catastrophe cataclysmique dans laquelle on peut voir le français Alain Petit (le fan numéro 1 de Jess Franco !), Lina Romay (toujours dans la place) et les actrices de seconde zone Monique Parent et Amber Newman (bien moins charmantes que les actrices employées par Jess Franco dans les années 1970). Si La Comtesse perverse contient des longueurs, Tender Flesh est tout simplement un ennui perpétuel. A éviter.

Lina Romay découvre le terrible secret des Zaroff.

Masao Adachi - Sex Game (1968)

2011-01-15T13:41:00.018+01:00

Quelques mois avant d'illustrer en film sa théorie des paysages, Masao Adachi a réalisé Sex Game (Sei Yugi en japonais), un film nihiliste produit par Koji Wakamatsu. A la vision de ce film, rien n'augure les futurs engagements de Masao Adachi dans la révolte étudiantes, l'extrême gauche nippone et la libération de la Palestine. Dans Sex Game, Adachi va plutôt à rebours du mouvement gauchiste étudiant en se moquant ouvertement et de façon plus qu'outrée de l'activisme politique. Sex Game sonne comme un doigt d'honneur à la "cause", magnifiant plutôt l'ennui et la provocation. Deux éléments essentiels du futur mouvement punk. Question de journaliste bas-de-gamme : Masao Adachi, punk avant l'heure ?

Sex Game s'ouvre sur une séance de partouze où sept étudiants (cinq garçons et deux filles) veulent "jouer au viol" de façon "sérieuse", le consentement des filles, peu farouches, décevant l'attente des garçons frustrés. Plus tard, pour tuer l'ennui, trois des garçons (dont Ken Yoshizawa, belle gueule récurrente des films de Koji Wakamatsu), sillonnent les alentours de l'université de Nihon (la faculté dans laquelle était vraiment inscrit Masao Adachi) pour trouver une proie à leur désir de viol. Il croise alors le chemin de Taeko, une militante de gauche. Après un viol collectif dans un amphithéâtre désert, un des trois violeurs (Ken Yoshizawa), "sympathise" avec Taeko, pour qui le viol a été un élément déclencheur de l'affirmation de sa féminité et de son existence (un poncif du pinku eiga). Taeko entraîne Kenji chez elle. Elle habite avec son frère, un geek apprenti terroriste qui fabrique des coktails molotov pour tuer "les flics et les CRS".

Ken Yoshizawa dans Running in madness, dying in love de Koji Wakamatsu (1969).

Sex Game vaut surtout pour ses dix dernières minutes, où, après une récitation d'extraits du poème Black Dada Nihilismus de LeRoi Jones,

Come up, black dada nihilismus.
Rape the white girls.
Rape their fathers.
Cut the mothers throats.
Black dada nihilismus, choke my friends in their bedrooms with their drinks spilling and restless for tilting hips or dark liver lips sucking splinters from the masters thigh

on voit les trois protagonistes, en uniformes militaires, en pleine rue tokyoïte, faire le salut hitlérien (guerilla shooting !), crier "Sieg Heil" et embrasser des femmes sur un passage piéton. S'ensuit une dernière scène, devant le Parlement japonais (moins bien connu sous le nom de Diète du Japon), où les trois hommes, toujours en uniforme militaire, mitraillette à la main, et accompagnés de femmes nues, descendent l'avenue de façon vindicative. Du nihilisme pur, foutraque, à la limite de l'extrême droite, qui tranche avec l'esprit d'extrême gauche dans lequel baignaient Masao Adachi et Koji Wakamatsu à l'époque. Dans son livre Behind the pink curtain, Jasper Sharp considère cette scène comme "une des plus provocatrices du cinéma".

L'avenue du Parlement nippon, sur laquelle est tournée la dernière scène de Sex Game.

Interrogé par Johannes Schönher sur Sex Game, Masao Adachi a expliqué : "dans ce film, j'ai essayé de montrer que les émotions humaines engendraient les comportements humains. L'activisme politique, d'accord, mais en même temps, les différentes factions politiques violentes étaient tellement devenues idéologiques qu'elles avaient tué toute émotion personnelle".

Interview de Jess Franco sur le porno

2011-01-11T21:18:00.007+01:00

Le très bon blog Zines a publié les scans du magazine Ciné Star Vidéo, daté de 1983, qui consacre quinze pages à Jess Franco. En plus d'une présentation générale de l'œuvre de l'Espagnol, de 1959 à 1982, illustrée de très belles et nombreuses photos, le magazine reproduit un entretien avec Jess Franco, réalisé à Madrid le 4 février 1983 par Joan Bassa et Ramon Freixas. Le réalisateur y parle du cinéma porno, du choix de ses actrices et de la chaotique distribution de ses films dans les pays européens. Un régal dont voici quelques extraits.

Ta tradition érotique remonte déjà aux doubles versions de tes films de terreur. De ce côté-là, tu es l'un des pionniers...

Bon, je déteste les doubles versions, je n'en suis pas partisan. Mais ce n'est pas de ma faute, je faisais un film - érotique, si tu veux - et tout de suite, les censeurs allaient faire des coupures... Nous n'allions pas passer un film de 20 minutes ! En plus, si le film m'appartient et qu'il n'y a pas d'autre solution que de re-tourner d'autres séquences, je préfère que ce soit moi qui les fasse, et pas un autre. Par ailleurs, la censure ne limite pas son travail aux coupures. Je suis las que les titres de mes films soient changés. Je remets Deux sœurs vicieuses aux mains des distributeurs et d'autres personnes, voici qu'il devient Aberrations sexuelles d'une blonde brûlante. Ou bien La Déesse blanche devient Les Déesses du porno et - un comble - l'un de mes derniers films allemands, où il n'était nullement question de collégiennes mais de femmes mariées et qui faisaient l'amour avec les messieurs qui leur plaisaient, a eu comme titre d'exploitation Collégiennes violées. Quel pays...

La belle Estella Blain dans Miss Muerte / Dans les Griffes du maniaque (1966).

[...] Ta filmographie est énorme, épuisante, avec un nombre multiple de titres, les uns curieux, les autres amusants.

Oui, mais ce n'est pas de ma faute. Je suis fatigué de voir mes titres changés. Qu'on se figure que j'ai voulu adapter un roman de Perry Mason, L'Affaire des culottes transparentes, titre que j'aimais beaucoup, qui était celui du scénario et de la première copie. Mais pour imiter La Fille à la culotte d'or d'Aranda, on en a fait La Fille aux culottes transparentes.

[...] Tu as une prédilection pour Sade plutôt accusée.

J'ai beaucoup admiré ce gars-là. Beaucoup, beaucoup. Et je l'aime pour ses contes moraux. Ils sont, disons-le, fort moraux. Il me semble que c'était un écrivain audacieux parce qu'il se moquait de la réalité d'une manière précieuse. Et en plus, de fait, il est de plus en plus évident que c'était une sainte nitouche que sa femme faisait emprisonner pour lui faire l'amour.

L'entretien complet sur Zine.